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1La carrière et l’œuvre de Michel Sardou sont indissociables de l’image médiatique qui s’est cristallisée autour de ses opinions politiques, réelles ou supposées. Alors que ses plus grands succès – Les Bals populaires, Le France, La Maladie d’amour, Les Lacs du Connemara – semblent souvent consensuels, ses chansons ont souvent été interprétées de manière politique, que l’artiste y consente ou non. Son œuvre et sa carrière en ont été modifiées au point que Michel Sardou occupe à plus d’un titre une place unique dans le domaine de la chanson. Il n’est pas seulement l’un des artistes français de sa génération qui a vendu le plus d’album et le plus de billets. Il est aussi l’un des rares à être toujours perçu comme un homme de droite, quelles que soient les opinions fluctuantes qu’il professe dans les médias. Le seul enfin à avoir suscité des manifestations publiques hostiles de la part de militants gauchistes. Un bref rappel historique, mettant en rapport ces événements avec la carrière artistique et médiatique de Michel Sardou, nous semble donc nécessaire pour évoquer les principaux virages idéologiques qui ont jalonné quarante années de carrière. Nous nous interrogerons ensuite sur les chansons elles-mêmes. Analyser les idées qu’elles véhiculent ne vise pas à les évaluer, mais à comprendre comment elles réussissent à fidéliser un public de droite tout en continuant à produire du consensus. Les œuvres, parfois ambigües et souvent complexes, témoignent certes de convictions concernant la place de la France dans le monde et sa politique intérieure. Mais elles laissent également percevoir un imaginaire personnel, forgé entre autres choses par des discours idéologiques. C’est pourquoi des chansons qui semblent peu militantes seront également étudiées, en particulier dans la dernière partie de cette étude, consacrée à l’évocation des mœurs et des instituions. 1. La carrière de Michel Sardou, la politique et les médias 2Les premières années de la carrière de Michel Sardou se placent sous le signe de l’apprentissage et de la soumission à la mode. Courant le cachet et prenant des cours de chant, il enregistre chez Barclay entre 1965 et 1967 des chansons qui tentent de profiter de la mode des hippies. Michel Fugain, qui écrit ses premières musiques, n’a pas alors plus de célébrité ni de personnalité que son interprète. Les orchestrations folks – guitares, tambourins et harmonica – sont très datées. Même lorsque Michel Sardou rencontre Jacques Revaux, compositeur qui l’accompagnera pendant presque toute sa carrière à partir de 1967, le style musical ne change pas radicalement. Si la voix est déjà agréable, les nasalisations et les accentuations brutales, qui rappellent respectivement Antoine ou Nino Ferrer, relèvent parfois du pastiche. Michel Sardou, toutefois, écrit déjà ses textes, qui sont en léger décalage avec l’horizon d’attente associé à ces musiques. Il utilise les clichés associés aux beatniks et, sans être ouvertement parodique, reprend à son compte les moqueries liées à leur virilité. Le Madras ou Les Filles d’aujourd’hui proposent ainsi une critique des jeunes dans le vent » et peu virils, mais accompagnée d’une musique destinée à les séduire. Les Beatniks décrit une vie de bohème à l’Américaine, qui n’a par ailleurs rien d’engageant mais exerce sans doute une certaine séduction sur un Michel Sardou récemment marié Moi quand je les regarde Du haut de mes vingt ans J’ai parfois le cafard De vivre prudemment Mais quand ils sont partis En traînant leurs savates Je continue ma vie Et renoue ma cravate. 3Les hippies existent alors politiquement en tant qu’opposants à la guerre du Vietnam, une guerre que la France a perdue. En 1967, la première version des Ricains – accompagnée d’une seule guitare, de chœurs et d’harmonica – passe relativement inaperçue, mais est déconseillée » aux programmateurs de la radio nationale, ce qui suffit à Eddy Barclay pour se séparer de Michel Sardou. La chanson, pro américaine, n’a rien pour plaire ni aux gaullistes, ni aux communistes. Si j’avais un frère au Vietnam, titre pacifiste et élégiaque qui prétend que la guerre n’est qu’un malentendu », n’a pas non plus de quoi satisfaire les deux camps, et le titre est vite oublié. 4Le premier succès d’estime paru en France est enregistré en 1968 chez Trema, label naissant dont Jacques Revaux, principal compositeur de l’artiste, est l’un des fondateurs. America, America et Monsieur le Président de France font de Michel Sardou un chanteur à contre-courant. Trente mille disques vendus, ce n’est qu’un succès relatif pour celui qui va devenir une vedette en quelques mois au cours de l’année 1970. Les succès, en effet, s’enchaînent. Les deux premiers, Les Bals populaires et J’habite en France, sont gentiment cocardiers. Les deux titres mêlent percussions lourdes, cuivres clinquants et accordéon, pour faire danser les foules. Il s’agit aussi de les faire trépigner et d’organiser des chorus, les paroles reprises par le public étant précédées de longues syllabes étendues et de silence qui préparent un défoulement collectif. Tout aussi consensuelle et efficace est la critique des institutions, présente en 1971 dans Le Rire du sergent, qui ressuscite le comique troupier. La politique reste présente, mais elle s’efface derrière les chansons d’amour à succès. En effet, malgré ses dénonciations de la société moderne abêtissante Zombie Dupont et castratrice Les Villes de grande solitude, Interdit aux bébés, ses messages adressés aux chrétiens et aux institutions catholiques Tu es Pierre, Le Curé, et sa critique persistante du militarisme La Marche en avant, on ne retient de l’album de 1973 que Les Vieux Mariés, et surtout La Maladie d’amour. Le premier titre est un grand succès, mais il est totalement éclipsé par le second, véritable tube de l’été, et même de l’année 1973, qui vient rajouter plus d’un million d’albums aux quatre déjà vendus par l’artiste entre 1970 et 1972. Je veux l’épouser pour un soir, slow de l’été 1974, est un succès de moindre envergure, mais atteint quand même les premières places des hit-parades. Cette réussite permet à Michel Sardou de rester à la mode, de remplir régulièrement l’Olympia, et d’enregistrer fréquemment des albums, ce qui n’est pas accordé à tout le monde. L’artiste s’exprime de plus en plus souvent dans les médias. Il affirme être une vedette populaire, et non un chanteur engagé, ce que la critique idéologique, très présente à l’époque, associe à un conservatisme. 5Je vais t’aimer, paru en 1975 sur l’album La Vieille, confirme le talent de l’interprète pour les chansons d’amour. Mais l’événement inattendu est le succès du France, chanson consacrée au bateau devenu symbole d’un déclin national. Le titre, disque de platine, crée une polémique qui masque les chansons les plus violentes Le Temps des colonies, J’accuse et Je suis pour, qui réclame la peine pour un assassin d’enfant, vont être découverts au fil de l’exploitation des 45 tours, suscitant des réactions de plus en plus violentes. La Manif, titre qui n’a pas été publié sur l’album, est une chanson particulièrement virulente. Elle n’a pas eu de retentissement spectaculaire mais, malgré son absence de passage en radio, elle a été largement diffusée, car elle se trouve sur la face B du 45 tours consacré à Je vais t’aimer. 6Les réactions d’indignation publique ne se produiront qu’à partir de l’année 1976. La sortie du Temps des colonies, prévue pour mars, est annulée le texte, qui donne la parole à un colon, a été pris au premier degré par un programmateur de radio. Le chauvinisme bon enfant des Bals Populaires et de J’habite en France engendre des soupçons de nationalisme lorsque Michel Sardou interprète La Marseillaise le 14 juillet devant plus de cent mille spectateurs, auxquels s’ajoutent les caméras de FR3. Le titre sera repris la même année dans une compilation de ses œuvres, réorchestrées en version symphonique. À cela s’ajoute, en octobre, une polémique liée à la diffusion de Je suis pour, favorable à la peine de mort. 7Le public est au rendez-vous et les salles sont plus que pleines. Mais lors d’une tournée en Belgique, au début de l’année suivante, des manifestations hostiles accompagnent ses concerts. Heurts entre les manifestants des comités anti-Sardou » et les forces de l’ordre, alertes à la bombe et autres manifestations de violence incitent le chanteur à interrompre sa tournée. Dès lors, la réception de son œuvre va devenir pour l’artiste une préoccupation majeure. Pour transformer son image d’artiste idéologue et réactionnaire, il modifie l’ensemble de son œuvre et les discours médiatiques qui l’accompagnent. Tout commence par deux mois de silence, rompu par une interview donnée au Matin de Paris, publiée le 17 mai. Michel Sardou se défend tour à tour d’être sexiste, colonialiste, nationaliste, et même de droite, affirmant qu’il est prêt à voter socialiste aux prochaines élections, pour voir changer le personnel politique au pouvoir, et parce que ras le bol, tout simplement ». Mais il ne se fait pas beaucoup d’illusions, et reviendra vite à ses convictions premières. 8Dès lors, sa carrière va reprendre avec autant voire davantage de succès, mais des apparitions médiatiques et des discours de nature différente. Le contexte politique change souvent, entre 1977 et 2007, et le monde du spectacle évolue aussi grandement. Michel Sardou, quelles que soient ses activités, ne perd pas une occasion de cultiver une image de contestataire dégoûté de la politique, mais sans plus aller jusqu’à la provocation. Il se positionne relativement peu par rapport aux débats nationaux des années 80. Sa seule participation publique à une manifestation concerne la défense de l’école privée en 1984, et il dira par la suite avoir changé d’opinion, défendant moins l’école privée que la liberté de choix des parents. La création des radios libres est pour lui l’occasion d’une courte carrière d’animateur. Il confirme à la fois son statut de vedette, suffisamment reconnue pour pouvoir présenter les disques des autres, et sa capacité à attirer un public de droite, puisqu’il officie sur RMC. Il aime à évoquer ses amis du show-business – Bedos, puis Coluche, lui servant souvent à prouver qu’il n’est pas politiquement sectaire. Il se défend volontiers des accusations de machisme en comparant ses prestations scéniques à celles de Bernard Lavilliers, qui joue bien davantage que lui de son aspect machiste. 9L’argument est d’autant plus pertinent que les performances de Michel Sardou évoluent lentement vers une forme d’épure dont rendent compte les nombreuses vidéos enregistrées en public depuis le début des années 80. Après avoir essayé tous les déguisements des années 70, du col pelle-à-tarte au blouson de cuir, en passant par le costume à paillettes, et même quelques apparitions torse nu, Michel Sardou privilégie de plus en plus la sobriété prônée par son défunt père. Costume, et parfois cravate, accompagnent une raréfaction progressive des gestes, qui donne aux rares mouvements de bras une grande expressivité. Si l’interprète marche de plus en plus, ce n’est qu’en raison de l’agrandissement de la scène, car les salles de spectacle offertes aux artistes sont de plus en plus grandes, et le public de Michel Sardou remplit régulièrement le palais des sports de Bercy. Si la mauvaise humeur apparente du chanteur reste un cliché journalistique, les chroniqueurs, au fil du temps, se réjouissent de le voir sourire entre les chansons ou sur ses affiches, puis de l’entendre communiquer avec ses musiciens, qu’il met toujours en évidence à un moment ou à un autre du concert. En 1998, il va jusqu’à plaisanter avec le public aux sujet des trente-cinq heures. Mais la discrétion reste le maître mot de son interprétation. Il laisse à la musique le soin de transporter le public. Si ses chansons, comme le remarquaient les auteurs de Faut-il brûler Michel Sardou ?, accordent volontiers une place croissante à la musique, ses concerts obéissent à la même logique les dernières œuvres jouées devant le public offrent de larges plages musicales, souvent inspirées du rock progressif, galvanisant la salle grâce à des airs à danser Les Bals populaires, La Java de Broadway, Afrique adieu ou à des orchestrations épiques Les Lacs du Connemara, Un roi barbare. 10La sobriété sur scène s’accompagne, à partir de 1986, d’une certaine discrétion médiatique, qui s’explique de plusieurs manières. La première est l’allongement de la durée de création. À partir du milieu des années 1980, les campagnes de promotion sont de plus en plus étudiées, et il est établi qu’un album tous les deux ans permet d’optimiser les ventes. Si Michel Sardou s’occupe en tournant beaucoup et en multipliant les albums en public, les nouvelles chansons se font plus rares et moins polémiques. La fin de sa collaboration avec Pierre Delanoë l’explique en partie. Les discours journalistiques consacrés au chanteur sont assez réguliers, mais répétitifs et peu politisés. L’artiste étant reconnu et étiqueté, il fait toujours l’objet de commentaires semblables libre » ou indépendant », plein de talent » et doté d’une belle voix », il ne saurait être consensuel, mais reste depuis vingt ans présenté comme un artiste populaire ». Si les journalistes parlent de moins en moins des événements de 1977, ils mentionnent très souvent le fait que Michel Sardou séduit aussi un public qui ne partage pas ses idées politiques. 11Cet affadissement de la polémique s’explique sans doute par le passage du temps, qui rend anodine les chansons provocatrices et les isole de leur contexte. Certes, le répertoire de Sardou, depuis 2000, est redevenu militant, et s’adresse à un public de fidèles dans des chansons qui passent souvent peu en radio. Mais, parallèlement, le chanteur continue de se produire dans des émissions réservées aux vedettes retransmission de la Tournée des Enfoirés, Star Académy, soirée d’élection de Miss France. Il n’y interprète souvent que d’anciens succès, politiquement anodins. Le contraste, pour qui écoute attentivement les disques, peu sembler saisissant, mais ce procédé est entretenu, avec plus ou moins de discrétion et d’habilité, depuis près de vingt ans. Depuis 1978, l’œuvre de Michel Sardou réussit à transcender les clivages politiques, sans cesser de séduire un public de droite. Nous allons tenter, pour comprendre les raisons de sa réussite, d’analyser les stratégies déployées par le créateur pour édulcorer son discours tout en le rendant aisément déchiffrable. 2. Les chansons de Sardou et l’art du consensus a Politique étrangère, nationalisme et fatalisme 12L’entrée en politique de Michel Sardou se fait, nous l’avons dit, alors que le mouvement hippie influence toute la musique de variétés. Mais ses œuvres ne commencent à être réellement diffusées qu’à partir de 1970, dans un contexte très différent. Si les premières chansons enregistrées chez Barclay ont été oubliées, il reste de cette époque un répertoire évoquant l’Amérique. Trois chansons paraissent sur le premier album du chanteur. America, America n’est porteuse que d’une idéologie implicite très à la mode, qui évoque l’American way of life et la ville de San Francisco. Mais Michel Sardou a des raisons plus politiques de défendre le rêve américain. Au début des années 1970, alors que le mythe d’une France résistante fait place à un discours d’historiens insistant sur la Collaboration, Les Ricains est une chanson polémique, qui ne ménage pas l’orgueil national Si les ricains n’étaient pas là Vous seriez tous en Germanie À parler de je ne sais quoi À saluer je ne sais qui. 13Le vous » n’est pas un nous » ; il s’adresse moins à l’ensemble des Français qu’à ceux qui critiquent les pour leur engagement au Vietnam Bien sûr les années ont passé Les fusils ont changé de mains Est-ce une raison pour oublier Qu’un jour on en a eu besoin ? 14L’habillage musical, en 1970, est différent de celui de la première version le titre s’ouvre et se ferme sur le bruit d’une foule acclamant Hitler, ce qui renforce l’aspect accusateur du couplet initial. Les notes de guitares et d’harmonica résonnent moins, et les orgues sont plus présents, renforçant le lyrisme et substituant à l’aspect artisanal des musiques hippies la mise en évidence d’un travail d’orchestration très maîtrisé. Le phénomène est encore plus audible sur le titre Monsieur le Président de France, dont les couplets martiaux – accompagnés de cuivres et de tambours – alternent avec des refrains saturés de chœurs lyriques supportant un texte violent Dites à ceux qui brûlent mon drapeau Qu’en souvenir de ces années Ce sont les derniers des salauds. 15Le personnage interprété est le fils d’un ancien combattant américain, et la chanson se clôt sur une musique de marche militaire américaine. Le contraste avec le titre précédent indique clairement la volonté de l’auteur de s’adresser à la jeunesse issue du baby-boom, en opposant des Américains légitimement fiers de leurs parents à des Français qui les critiquent. L’aspect polémique de ces œuvres sera occulté par des titres plus fédérateurs, qui exaltent un sentiment national moins patriotique que cocardier, J’habite en France ou Les Bals populaires. Ce titre est le premier grand succès de l’artiste. Coécrit avec Vline Buggy, il est accompagné d’une musique de Jacques Revaux. Cette dernière illustre efficacement, à grands renforts de batterie, de trompettes et d’accordéon, l’ambiance évoquée par le texte, qui met en vedette l’ouvrier parisien » et l’orchestre » infatigable et folklorique. Au-delà de ces clichés textuels, le refrain est particulièrement habile. Il place en effet le personnage dans la position d’un auditeur de concert, alors que ses nombreuses répétitions incitent la salle à faire chorus Mais là-bas près du comptoir en bois Nous on n’danse pas On est là pour boire un coup On est là pour faire les fous Et pour se reboire un bon coup Et pas payer nos verres. 16La lourdeur des orchestrations met le public de bonne humeur, lui donne envie de danser tandis que le texte le conforte dans son rôle d’auditeur semi-passif, qui s’amuse, mais n’danse pas ». L’efficacité de la chanson se mêle à des références nationales, qui laissent penser que le personnage décrit est un français moyen, un ouvrier parisien » qui tente de ne pas payer son verre. Cette exaltation d’une gaité nationale est plus nettement affirmée dans J’habite en France, qui flatte le public de façon plus idéologique Mais voilà j’habite en France Et la France c’est pas du tout c’qu’on dit Si les Français se plaignent parfois C’est pas d’là gueule de bois C’est en France qu’il y a Paris Mais la France c’est aussi un pays Où y’a quand même pas cinquante millions d’abrutis. 17Les clichés textuels sont encore plus nombreux. Il s’agit en effet de confirmer ou d’infirmer – en les évoquant tour à tour – un certain nombre d’idées reçues concernant la France ou Paris, pour conclure sur un satisfecit peu original la France est un pays de séducteurs. 18Cette bonne humeur fédératrice, associée à un américanisme moins consensuel, se poursuit jusqu’à la fin de la décennie, la célèbre Java de Broadway offrant un nouveau succès indémodable à Michel Sardou, en 1977. La musique festive et orchestrale évoque un jazz band qui jouerait un air de java. Rien n’a changé dans le texte, si ce n’est qu’il autorise une diction sur un rythme ternaire il n’est question que de fêtes décomplexées, d’alcool et de filles que l’on regarde de loin, installé au bar. 19Chanter la France et l’Amérique n’est cependant pas toujours simple. À partir de la seconde moitié des années 1970, deux phénomènes viennent infléchir le discours des chansons de Michel Sardou. D’une part, une prédilection pour la nostalgie et l’angoisse du déclin, qui atteint la France, L’Amérique et tout autre pays. D’autre part, un rapport aux étrangers parfois ambigu. Cette évolution du répertoire a des causes multiples crise économique qui popularise un discours sur le déclin du pays ; mort du père qui alimente l’angoisse d’une vedette parvenue au sommet ; changement de collaborateur, avec l’intervention longue et durable de Pierre Delanoë dans les livrets à partir de l’album intitulé La Vieille. 20La fierté d’être Français n’est alors plus de mise. Le plus important succès de cet album est en effet Le France, qui permet au chanteur de fédérer jusqu’aux ouvriers CGT du port du Havre, où le bateau est mis à quai. Cet hymne nostalgique, chanté dans un contexte de crise des chantiers navals, exprime en effet un sentiment national Ne m’appelez plus jamais France » La France elle m’a laissé tomber Ne m’appelez plus jamais France » C’est ma dernière volonté. 21Bien d’autres chansons viendront, avec plus ou moins de succès, déplorer la baisse d’influence d’un pays qui perd peu à peu ses ambitions internationales. Ces titres seront toutefois plus directement liés au contexte électoral, aussi les étudierons-nous plus loin. Mais la crise française n’est, pour Michel Sardou que l’un des aspects d’un complet désenchantement du monde. Même son parti pris en faveur de la politique américaine n’y résiste pas, et l’évocation des USA ne renvoie plus qu’à un rêve américain désenchanté. Presque toutes les chansons consacrées aux pays étrangers, thème régulièrement exploité, évoquent d’ailleurs un rêve de culture ou d’exotisme déçu Huit jours à El Paso en 1978, Afrique Adieu en 1982, Exil Dylan en 1984, Le Paraguay n est plus ce qu ’il était en 1988, Le Vétéran et Mam ’selle Louisiane en 1990, L’Amérique de mes dix ans en 2000... Tous ces titres sont construits autour d’habillages musicaux caractéristiques des régions, voire des époques évoquées. Le dernier s’ouvre même sur la mélodie des Ricains, comme si la nostalgie était assumée jusqu’à l’auto-parodie. Les partitions de ces chansons permettent par ailleurs souvent de masquer le caractère négatif du propos en proposant une mélodie entraînante. Sur le plan textuel, d’ailleurs, le pessimisme semble rarement dominant, car le pouvoir évocateur des mots crée un effet d’exotisme chez l’auditeur, alors même que le personnage en déplore la disparition. Des chansons demeurées célèbres, Afrique A dieu ou Les Lacs du Connemara, en témoignent. Les noms propres fortement connotés se succèdent, ainsi que les éléments de décor, pour composer un paysage imaginaire Sur les étangs de Malawi La nuit résonne comme un signal C’est pour une fille de Nairobi Qu’un tambour joue au Sénégal. 22La musique qui accompagne de telles paroles, incitant à la danse, rend plus difficile encore une attention soutenue, et le texte propose une accumulation d’images fortes. Cette utilisation efficace des termes à connotations exotiques se fait au détriment de la narration, ce qui ajoute à l’ensemble un mystère propice à la rêverie. Les paroles des Lacs du Connemara, grand succès bâti sur le même principe, invitent moins à une recherche des références historiques qu’à une rêverie appuyée sur des sonorités étrangères Sean Kelly s’est dit Je suis catholique Maureen aussi L’église en granit De Limerick Maureen a dit oui. 23L’étranger apparaît donc dans l’imaginaire de Michel Sardou comme un ailleurs, souvent décevant, mais qui permet encore de satisfaire chez le public un désir d’exotisme. Ce rapport au monde consensuel, qui a produit de grands succès, est toutefois compliqué par des chansons plus ambiguës. 24Si les pays étrangers font rêver, certains de leurs habitants, en effet, sont envisagés de manière plus problématique. Tout a commencé en 1975, par un malentendu. Le Temps des colonies, paru sur l’album La Vieille, a créé une polémique en 1976. Le texte semble pourtant ne pouvoir être envisagé qu’au second degré Pour moi monsieur rien n’égalait Les tirailleurs Sénégalais Qui mouraient tous pour la patrie Au temps béni des colonies Autrefois à Colomb-Béchar J’avais plein de serviteurs noirs Et quatre filles dans mon lit Au temps béni des colonies. 25Il n’en reste pas moins que l’accompagnement musical, exotique et dominé par les tams-tams, rappelle l’esthétique des chansons authentiquement colonialistes, fréquentes dans la France d’avant-guerre. Le début du refrain, on pense encore à toi, O Bwana », chanté par des choristes africaines à l’accent prononcé, reste d’un goût douteux. Si Michel Sardou n’a cessé de communiquer dans les médias pour dissiper les malentendus nés de cette chanson, il a longtemps continué à l’interpréter sur scène et à la mettre sur ses compilations, comme si elle était un symbole de la diabolisation dont il avait fait l’objet en 1976 et 1977. Le plus troublant est qu’en 1979 paraît une autre chanson, dans laquelle la fierté d’être français s’accompagne d’un rapport méprisant vis-à-vis de l’étranger. 26Ils ont le pétrole mais c’est tout est composé sur le modèle des chansons chauvines précédentes, mais les arabes y sont considérés avec agressivité Ils ont le pétrole Mais ils n’ont que ça On a des idées Un gaspy futé Un Martel à Poitiers. 27Cette violence s’explique dans la chanson elle-même par une anecdote biographique Cett’ chanson s’adresse A un brav’ garçon Qu’on appelle Altesse Un ami d’pension Quand ton puits s’ra sec... plus d’jus dans l’citron Plus personne à La Mecque Viens à la maison. 28Il n’en reste pas moins que le propos s’adresse plutôt à un public raciste qu’il s’agit de flatter, et ce d’autant plus que la mélodie en mode mineur et les orchestrations arabisantes ne peuvent encore une fois qu’évoquer l’esthétique des chansons coloniales. Cela suffirait du reste à comprendre pourquoi l’œuvre est tombée dans l’oubli. 29La plupart des chansons qui évoquent les pays étrangers et leurs habitants sont toutefois bien plus habiles. Le meilleur exemple en est Vladimir Ilitch, énorme succès de l’année 1983. Son texte, malgré les éléments de couleur locale, est explicitement politique. Mais tout au long du texte, la critique du stalinisme se mêle à l’évocation de la misère d’un peuple, qui semble justifier le communisme, ce qui satisfait un public de droite tout en désamorçant les critiques qui pourraient venir de la gauche Un vent de Sibérie souffle sur la Bohème Les femmes sont en colère aux portes des moulins Des bords de la Volga au delta du Niémen Le temps s’est écoulé il a passé pour rien Puisqu’aucun dieu du ciel ne s’intéresse à nous Lénine relève-toi Ils sont devenus fous. 30Musulmanes, paru en 1987, semble plus anodin. Le titre allie la beauté d’un texte exotique évoquant la blancheur des toits de Ghardaïa » en Algérie, les forêts du Liban », Le crépuscule de Sanaa », ville située au Yémen... à une vision de la femme musulmane qui a peu évolué depuis Pierre Loti, et produit de la compassion Voilées pour ne pas être vues Cernées d’un silence absolu Vierges de pierre au corps de Diane Les femmes ont pour leur lassitude De jardins clos de solitude Le long sanglot des musulmanes. 31La musique n’est plus caricaturale mais épique, se prêtant à des développements symphoniques qui la rendent encore plus efficace en concert. Mais cette esthétique parfaitement maîtrisée masque un contenu politique. Si les paroles peuvent renvoyer à la situation dramatique du Liban, aucun message clair n’est délivré. En revanche, le vidéo clip largement diffusé à l’époque raconte une autre histoire celle d’un pilote de l’Aéropostale perdu dans le désert et échappant à des pillards grâce à la complicité de femmes voilées. Ce film d’aventure résumé à trois minutes propose une vision archaïsante, non des musulmanes, mais des arabes musulmans. Il est vrai que l’époque s’y prête, dans un contexte de montée du Front National, alors que Véronique Sanson renonce à chanter sur scène sa chanson intitulée Allah et que Salman Rushdie est contraint à la clandestinité. 32Par la suite, les chansons qui évoquent les pays étrangers ne seront que d’innocentes œuvres mêlant nostalgie et exotisme. Elles seront peu exploitées, Michel Sardou ayant suffisamment de grands succès de ce type à insérer dans ses concerts Afrique Adieu, Les Lacs du Connemara et Musulmanes. Seul L’Oiseau Tonnerre, paru sur le dernier album, évoque la spoliation des Indiens par les colons américains. Le texte n’est pas de Michel Sardou, et le sujet peu polémique, rien dans la chanson ne renvoyant même implicitement à la politique étrangère américaine. 33Il s’agit toutefois d’une exception, car si l’on considère l’ensemble de l’œuvre, l’évocation des pays étrangers et de leurs habitants laisse souvent transparaître un propos idéologique. L’emploi de clichés n’a rien d’étonnant car il semble difficile d’évoquer un pays au cours des quelques minutes que dure une chanson sans utiliser d’images réductrices. Mais Michel Sardou fait par ailleurs preuve d’une réelle originalité. Celle-ci réside dans l’habileté avec laquelle il associe rêve américain et défense des États-Unis, ou sentiment national et mépris pour les habitants des anciennes colonies. Cet aspect est compensé par la vision du monde de l’artiste, qui associe la France et l’Étranger en plaçant la condition humaine sous le signe du déclin ; qui ressuscite le patriotisme ou l’exotisme le temps d’un chant du cygne. Mais cette optique conservatrice, voire réactionnaire, qui génère aisément de la nostalgie, ne suffit pas à rendre compte de la complexité politique de l’œuvre. b Les commentaires sur la politique intérieure la permanence du pessimisme, entre colère, victimisation et détachement 34Contrairement à ce qui se passait au temps de yéyés, un chanteur qui devient une vedette dans les années 70 est souvent contestataire ou engagé. Michel Sardou n’échappe pas à la règle, mais s’il se plaît à critiquer, son œuvre ne soutient ouvertement aucun parti, et les textes qui ne sont pas l’expression d’une colère sont volontiers interprétés sur un ton désabusé. Par ailleurs, si les idées politiques exprimées séduisent souvent un public de droite, l’artiste n’est pas hermétique aux évolutions de la société, qui, depuis 1968, voit les idées libérales de gauche progresser en ce qui concerne les mœurs, et les idées libérales de droite triompher sur le plan économique. 35Pour son premier manifeste politique, daté de 1972, Michel Sardou choisi de s’identifier à Danton parlant devant ses juges, prophétisant les horreurs du Comité de Salut Public, et même l’avènement d’un tyran très semblable à Napoléon. Noyé sous les allusions historiques, le texte ne revendique pas autre chose qu’un désir de paix et de liberté. Toutefois, alors que les espoirs révolutionnaires issus de 1968 s’essoufflent, et que Léo Ferré ou Colette Magny prennent leurs distances vis-à-vis d’une chanson purement militante, Danton peut être compris comme une dénonciation des révolutionnaires qui se réclament de Robespierre et des Jacobins. L’interprétation, qui oppose la voix de l’interprète à celle d’une foule sur un fond de musique martiale, fait de l’homme sensé la victime du groupe. 36Cet imaginaire révolutionnaire est aussi exploité en 1980 dans le cadre d’une comédie musicale intitulée Les Misérables. Michel Sardou enregistre alors À la volonté du peuple, dont le personnage se dit prêt à mourir pour la liberté. En 1989, à la faveur des commémorations du bicentenaire, le concert de Bercy s’achève sur une fresque épique, Un jour la liberté, dont le ton désillusionné est habituel chez l’artiste mais qui témoigne des mêmes idéaux Pour proclamer les Droits de l’homme Je m’inscrirai aux Jacobins Mais comme je crois au droit des hommes Je passerai aux Girondins. 37Cela n’empêche pas Michel Sardou, révolutionnaire dans ses aspirations à la liberté, de défendre dans ces chansons le droit de propriété, ni de proposer une image voltairienne et conservatrice de la liberté religieuse, comme dans cet extrait de Danton Les pauvres ont besoin de l’église C’est un peu là qu’ils sont humains Brûler leur Dieu est une bêtise. 38Plus qu’un désir de révolution, le discours politique chanté par Michel Sardou traduit une insatisfaction perpétuelle. Celle-ci se manifeste d’abord de manière véhémente sur l’album La Vieille, paru en 1975. Il contient la plupart des textes qui ont valu des ennuis à l’artiste, notamment Le Temps des colonies et Je suis pour, qui fait l’apologie de la peine de mort. On y trouve aussi une chanson très datée, W54, qui propose une vision orwellienne de la société, au son de musiques électriques qui pastichent les films consacrés aux extra-terrestres. Sur un tel album, le titre J’accuse apparaît comme une diatribe assenée au monde entier. Le rythme soutenu, la puissance des cuivres et des percussions, et la diction forte et très accentuée, sont au service d’un propos écologiste et antimilitarisme, mais un pacifisme affiché avec autant de hargne a de quoi surprendre J’accuse les hommes d’être bêtes et méchants Bêtes à marcher au pas des régiments De n’être pas des hommes tout simplement. 39Les plus violentes et les plus polémiques des chansons de cette époque ne cesseront d’être reprises et réenregistrées en public, avec ou sans commentaire d’accompagnement. Un seul de ces titres n’a pas rencontré de succès. Il s’agit du plus politique, qui n’a pas été repris en album. La Manif s’adresse à un public très politisé, car il prête à diverses catégories de manifestants, en particuliers des ouvriers, des immigrés et des féministes, des propos caricaturaux de ce type Mais dans le contexte actuel De l’ère industrielle On n’veut plus travailler. 40Seule l’absence de succès de ce titre, passé inaperçu, explique qu’il n’ait pas été reproché à Michel Sardou. Quelques mois après sa parution, les violences subies par l’interprète l’ont incité à plus de prudence. 41Sur l’album suivant, sa critique de la société prend la forme d’une élucubration au ton et au rythme légers. Une attention aiguë au texte, à laquelle la forme de la chanson n’incite pas, semble indiquer que Michel Sardou brûle aussi bien ce qu’il a adoré que le reste, aussi bien le gouvernement que l’opposition, critiquant La gouver-ne-men-ta-lo-manie L’intellec-tualo-gaucho-manie L’américano-anglo-manie-manie. 42La chanson n’ayant pas eu de succès, l’artiste en revient à des œuvres plus violentes, qu’il maîtrise mieux. On a déjà donné, coécrit en 1978 avec Claude Lemesle, s’en prend une nouvelle fois aux révolutionnaires, à tous ces poings tendus », et aux conservateurs, à ceux qui sont en place parce que papa y était ». Il est à mettre en parallèle avec la déception que Michel Sardou dit avoir éprouvé à propos de Valéry Giscard d’Estaing. Pierre Delanoë a quant à lui aidé l’interprète à écrire La Débandade en 1984, quelques mois avant la fin du programme commun, qui annonce la fin d’autres illusions. La chanson ressemble aux précédentes, avec sa diction forte et heurtée, accompagnée de musique orchestrale et imposante, mais le texte ne vise personne explicitement. Comme dans Vladimir Ilitch, paru l’année précédente, il emploie ironiquement un vocabulaire de gauche Rigolez pas, mes camarades / La débandade / C’est pour demain », pour dénoncer le malaise d’une société dirigée par la gauche. Mais Michel Sardou, à partir de 1985, semble se lasser de la politique et, s’il chante encore régulièrement la décadence, voire une apocalypse imminente, dans des chansons telles que Les Derniers jours de Pearl Harbour, il s’agit moins de politique que de nostalgie et de pessimisme. 43Ce dernier sentiment est alimenté par les déboires du chanteur qui aime à se présenter en victime dès le début de sa carrière. Assassinés, vilipendés, acculés au suicide, les personnages incarnés par Michel Sardou de 1970 à 1975 – Danton chansons éponymes, Johnny Halliday Le Phénix ou des victimes anonymes Je vous ai bien eu, Le prix d’un homme – mettent soigneusement en scène leur élimination et l’ostracisme dont ils sont victimes. Ce fantasme, largement alimenté par les mésaventures qu’a connues Michel Sardou en 1977, n’a pas été sans conséquence. À partir des années 80, il commente sur scène l’impact qu’ont eu ses chansons les plus contestées, et il en écrit quelques-unes pour répondre à ses détracteurs. D’abord On rétrécit, en 1978, dans laquelle il assume violement son discours sur le déclin de la France Traitez-moi de ce que vous voudrez Facho... nazi... phalo... pédé Et plus je tendrai l’autre joue Les héros ne sont plus parmi nous J’ai dû me tromper de rendez-vous On rétrécit on rétrécit. 44Puis J’avais pas la tête assez dure et La Haine, enregistrées en 1978 et 1980, réussissent le paradoxe d’être des chansons à la musique et à l’interprétation virulente et épique alors qu’elles dénoncent la violence, dont la victime implicite est l’interprète lui-même. Enfin, Mauvais homme paru en 1981 donne la parole à un misanthrope solitaire. Le titre est interprété à la manière de Johnny Halliday, avec un mélange d’élégie et d’orchestrations grandioses. Le sujet s’épuise ensuite d’autant plus vite que Michel Sardou ne produit plus de chansons ouvertement politiques entre 1985 et 1994, se contentant de reprendre ses vieux succès engagés et de les commenter sur scène. Comme ses albums, ses chansons militantes se raréfient et se nuancent. 45Selon que vous serez etc, etc s’en prend aux dysfonctionnements de la justice et des média, et fustige les politiciens corrompus, thèmes qui n’ont pas cessé depuis d’être à la mode. Mon dernier rêve sera pour vous, consacré au fisc, est plus marqué idéologiquement. Si l’on en croit le ton de l’interprétation et l’accompagnement musical, la colère semble avoir fait place au dégoût et à la désillusion. Au cours des années 2000, cependant, Michel Sardou redevient polémique. Il affiche un pessimisme serein et détaché, énonçant ses idées sans avoir l’air de se faire d’illusions. Ainsi renoue-t-il avec la fierté affichée d’être français, sur un rythme plus lent que J’habite en France, qui se prête moins à la danse, mais davantage au chorus et aux claquements de mains. Il est vrai que le contenu de Français est plus sérieux et plus nuancé Parce qu’ils ont décidé d’être une république, Bien que toutes leurs idées se perdent en politique. Mais parce que l’un d’entre eux a dit cett’phrase immense Ma liberté s’arrête où la vôtre commence »... J’aime les Français, Tous les Français, Même les Français que je n’aime pas. 46Il faudra encore quelques années pour que Michel Sardou revienne vraiment à la chanson engagée son album intitulé Hors-format, paru en 2006, est, s’il faut en croire le résultat des dernières élections, dans l’air du temps. Le thème de la décadence nationale, le moins nouveau, est illustré par Concorde, un fleuron de notre industrie nationale qui aura connu un destin parallèle à celui du France, sans que la chanson éponyme ait le même succès. C’est aussi sous le signe de la décadence que se place Les Villes hostiles, chanson consacrée aux banlieues qui s’ouvre sur ces mots C’était mon quartier autrefois Plus rien n’existe tout a changé Même ma rue je ne la retrouve plus On a dû reconstruire dessus. 47La chanson la plus ouvertement politique, sur laquelle s’est faite la promotion de l’album, est un mélange de pessimisme et d’affirmation polémiques. Les couplets évoquent nombre de sujets volontiers abordés par la droite, rappelant aux immigrés qu’il faut respecter ceux qui sont venus longtemps avant toi », revendiquant la valeur travail il faut se prendre en charge / Et pas charger l’État », critiquant les droits acquis » Il faudra bien qu’on en oublie / Sous peine de n’plus / Jamais avoir de droits ». Mais ce programme électoral, accompagné d’une musique de plus en plus dansante, est tempéré à la fois par un dernier couplet pessimiste et par un refrain décalé. Le dernier couplet ne s’applique que dans un contexte de défaite électorale qui n’a pas eu lieu pour le public de Michel Sardou Admettons enfin vous et moi Que nous sommes tous des hypocrites. La vérité ne nous plait pas Alors on a le pays qu’on mérite. 48Quant au refrain, il exprime un pessimisme désabusé Et puis allons danser Pour oublier tout ça Allons danser. Personne n’y croit. 49De fait, Michel Sardou affirme sur la plage suivante, par ailleurs très autobiographique, son profond détachement Toutes mes exigences, Mes combats, mes défiances, Ces parfums mélangés De femmes et de fumée Ces étranges passions. Demain d’autres à ma place Viendront et feront face Pour les provocations. Je n’suis plus un homme pressé. 50Pour la première fois depuis près de vingt ans, Michel Sardou assume clairement ses convictions de droite, mais en tempérant ses affirmations par un défaitisme dont il est désormais coutumier. Après plusieurs années de gouvernement de droite, le pessimisme qui lui faisait annoncer le déclin de la France semble avoir atteint ses limites et miné jusqu’aux convictions de l’interprète. Il n’est pas dit que la partie militante de son public le suive sur ce terrain-là. Mais Michel Sardou partage avec elle des valeurs qui ne se limitent pas à des convictions électorales. Il propose en effet à ses auditeurs une vision particulière des mœurs de notre société. La critique des institutions, toujours consensuelle, s’y mêle à un grand conservatisme. 3. Michel Sardou et la société critique des meurs et des institutions a Sabre, goupillon et institution scolaire, l’individu face à la hiérarchie 1 N’ayant par répondu à l’appel, il a été emmené de force vers sa caserne pour un service militaire d ... 51La principale originalité de Michel Sardou en la matière est son discours sur trois institutions l’armée, l’Église catholique et l’école. Le premier est traité de manière relativement attendue, puisque Le Rire du sergent s’inscrit dans la tradition du comique troupier. Mais si ce titre a permis à l’artiste de solder ses comptes avec un service militaire mouvementé1, il ne l’empêche pas de témoigner d’un profond respect pour les anciens combattants. C’est le cas, nous l’avons vu, lorsqu’il rend hommage aux soldats américains qui ont libéré la France. C’est également vrai dans Verdun, où le personnage lutte contre l’oubli des civils, dans une chanson élégiaque. Michel Sardou associe toutefois le respect du soldat au mépris de la hiérarchie militaire et des gradés. Il l’exprime dans deux chansons au thème semblable mais au traitement très différent. La Marche en avant donne la parole à un discours d’officier dont le ridicule va jusqu’à l’invraisemblance Nous sommes le trois février Ce sera un beau jour férié Les fonctionnaires nous béniront Allez sonnez clairons La marche en avant. 52L’ensemble n’a pourtant rien de comique. La musique martiale fortement contrastée qui accompagne le texte rend la plaisanterie sinistre, lorsque l’interprète évoque les malheurs des soldats. La chanson est toutefois beaucoup moins efficace que La Bataille enregistrée en 2000. Dans ce titre, les orchestrations qui rappellent la musique militaire sont mises au service d’une fresque épique de plus de cinq minutes, au cours de laquelle un soldat évoque les diverses étapes d’une bataille terrifiante. Le résultat, particulièrement efficace, fait que l’auditeur ne peut que s’identifier au fantassin, et faire siennes ses dernières paroles, d’un pacifisme violent tu sais c’que j’en fais de ta médaille ? ». 53L’humble victime a donc toujours raison contre l’institution, ce qui n’a rien d’étonnant quand on connait l’individualisme farouche de Michel Sardou, qui est aussi celui de sa génération. Mais ce point de vue est plus original lorsqu’il s’agit de composer des chansons sur l’Église catholique qui ne lui soient pas hostile. Si l’on excepte un ironique Merci Seigneur enregistré au tout début de sa carrière en 1967, Michel Sardou n’a jamais rien chanté d’anticlérical. Au contraire, en 1973, il enregistre Tu es Pierre, véritable adaptation en chanson d’un extrait de l’Évangile, la rencontre de Pierre et de Jésus. Malgré la modernité anachronique du vocabulaire, le rythme allègre des couplets et les chœurs du refrain en font une chanson pour curé à guitare. 54Le Curé, enregistré sur le même album, adopte une forme plus classique au service d’un discours plus étonnant. Tout l’orchestre, où dominent tantôt les violons tantôt les percussions, est convoqué pour jouer l’une des mélodies les plus efficaces de Jacques Revaux. Si les couplets insistent sur la solitude d’un prêtre de campagne, les refrains chantent sur un rythme plus entraînant un plaidoyer pour la fin du célibat des prêtres ah mon dieu, si l’on était deux ». Bien avant que les polémiques n’envahissent la vie de Michel Sardou, cette chanson lui a valu des inimitiés dans son propre camp. Elle demeure unique en son genre, car les chansons qui ne sont pas bien-pensantes On ira tous au Paradis de Michel Polnareff, par exemple sont à l’époque hostiles au catholicisme. De plus, Michel Sardou a rapidement fait profil bas en enregistrant J’y crois, une chanson en forme de confession accompagnée d’une musique doloriste. Tout en affichant un certain doute quant au dogme Même si ça n’est pas vraiment celui / Que tous les prophètes avaient promis » la foi empreinte de culpabilité qu’il confesse plus qu’il ne la revendique témoigne d’une éducation chrétienne Je suis un très mauvais chrétien J’y crois lorsque j’en ai besoin. 55Qui est dieu ?, enregistré l’année suivante, n’apporte pas d’autre réponse à cette question existentielle que Dieu, c’est le temps », et la chanson n’a pas d’intérêt, si ce n’est de permettre à Michel Sardou de chanter en duo avec son fils de cinq ans. Le sujet n’est plus guère abordé ensuite, Le Curé n’apparaissant que sporadiquement sur les compilations. Il faut attendre 1990, et le texte d’Au nom du père, coécrit avec Didier Barbelivien pour que l’artiste parle à nouveau de religion. Il n’est plus alors question de foi, malgré un refrain en forme de gospel festif. Rythmé par des Alléluia », la chanson évoque les agissements des missionnaires chrétiens, depuis l’arrivée des Espagnols jusqu’à la ségrégation raciale aux États-Unis. La musique noire et les chœurs des refrains ne peuvent dès lors être compris que de manière ironique, du moins jusqu’au couplet final, où le message chrétien réapparaît, tempéré par un attachement profond aux choses d’ici-bas. Au nom du Père Tu es quelqu’un Frère de ton frère De ton prochain Quel que soit l’endroit D’où l’on vient Alléluia Tu es né l’enfant d’une femme Aux seins sucrés au ventre calme Paix à ses cendres et à son âme Alléluia Alléluia. 56Si la foi n’est pas remise en cause, la religion est donc finalement envisagée, comme l’armée, du point de vue de l’individu qu’elle opprime. Sa critique des institutions et du passé de l’Église catholique permet à Michel Sardou de s’adresser à un public de tradition chrétienne qui partage l’essentiel de ses idées modernistes. Le doute et la critique de la rigidité du Vatican sont en effet largement répandus parmi les catholiques français. 57L’artiste est plus polémique lorsqu’il évoque l’école. Il est vrai qu’il est le seul à oser s’aventurer sur ce terrain. Les chanteurs engagés à gauche savent que les enseignants constituent une bonne partie de leur public, ce qui incite à la prudence. Le Surveillant général, écrit en 1972 à partir de mauvais souvenirs de pension, reste consensuel puisqu’il ne s’attaque qu’aux internats. Mais en 1978, alors que Michel Sardou sort à peine de plusieurs mois de polémiques éprouvantes, il enregistre Monsieur Ménard, consacré à un professeur maltraité par ses élèves. Le texte est porté par un personnage violent C’était un jour en terminale Pour une histoire assez banale J’ai cru qu’il allait me frapper Alors j’ai cogné le premier J’ai donné un grand coup de tête Pour frimer devant les copains Je lui ai cassé les lunettes Ils sont pas marrants les gamins. 58Certes, cet usage massif de la première personne fait que le personnage et le malaise qu’il suscite peuvent sembler anecdotique, privant le propos de toute portée générale. Il n’en reste pas moins que parler de l’école de cette façon ne s’était encore jamais fait en chanson. 59L’histoire ne dit pas si les anciens collègues de Michel Sardou, qui a été professeur quelques mois, ont apprécié. L’œuvre n’a, quoi qu’il en soit, pas eu une grande carrière. Par contre, Les Deux écoles, paru en 1984, dans un contexte de manifestation en faveur de l’école privée, aura un énorme succès. Le texte, conçu par Pierre Delanoë comme un manifeste pour l’école libre, est rendu plus neutre par l’interprète, qui renvoie dos à dos les deux modèles éducatifs. De fait, ce n’est pas le discours polémique qui a fait le succès de la chanson, car une phrase telle que j’ai fait les deux écoles et ça n’a rien changé » n’a de quoi satisfaire personne. L’œuvre doit son succès à son refrain, particulièrement dansant, qui évoque une succession de particularités régionales et prouve une fois de plus le talent avec lequel Sardou sait susciter la nostalgie. Le seul texte de Sardou que les enseignants ont mal accepté ne parle que peu de l’école. Il s’agit du Bac G, qui, en dépit de son titre, parle surtout du désespoir de la jeunesse de 1992 Vous passiez un bac G Un bac à bon marché Dans un lycée poubelle L’ouverture habituelle Des horizons bouchés Votre question était faut-il désespérer ? 60C’est d’ailleurs ce ton désespéré qui vaut à la chanson d’être régulièrement reprise par son auteur depuis quinze ans, tandis que l’image de l’école ne cesse de se dégrader. Mais le système éducatif, comme l’Église et l’armée, font moins l’objet de discours que d’anecdotes dont la portée est plus ou moins générale. Cela permet à Michel Sardou d’exprimer des critiques parfois virulentes, tout en lui laissant le loisir de s’abriter derrière des personnages qu’il incarne, sans forcément leur ressembler. 61Mais ce dispositif, qui fonctionne bien pour critiquer la société, n’est pas toujours utilisable dans toutes les chansons ayant trait aux mœurs, la première personne du singulier, presque obligatoire, incite le public à confondre l’interprète et son discours. Le je » lyrique et impersonnel qui porte le texte, en particulier dans les chansons d’amour, n’est pas un personnage suffisamment construit pour permettre à Michel Sardou de s’en éloigner radicalement. Et il est vrai que ses chansons en apparence anodines semblent nous renseigner sur sa vision particulière des rapports humains. b Évolution des mœurs une tolérance qui exclut le féminisme 62Dans les années 70, il s’est vu violemment reprocher son sexisme. Cette accusation se fonde sur l’image de la femme véhiculée par ses chansons. Les chansons parlant d’amour se prêtent à d’infinies variations, mais quelques grandes tendances se dégagent de l’ensemble du répertoire, dont certaines ont des sources biographiques. Michel Sardou se sent aussi légitime pour fustiger les femmes qui piègent les hommes par un mariage La Corrida n ’aura pas lieu, en 1971, Vive la mariée en 71, Bonsoir Clara en 72, le cas inverse étant envisagé en 1970 dans Quelques mots d’amour, que pour condamner les pères démissionnaires qui abandonnent leurs enfants Merci pour tout, 82. Attention les enfants dangers, 88 À cet aspect moralisateur s’ajoute une vision conservatrice et une morale chrétienne, qui font que la femme a pour tâche essentielle de faire des enfants à son mari Tu m’as donné de beaux enfants / Tu as le droit de te reposer maintenant » déclare l’homme dans Les Vieux mariés, et d’autres chansons y font écho, notamment Un enfant. Aux discours de séducteur interprétés de manière virile Je veux l’épouser pour un soir, par exemple s’ajoute une vision très catholique du péché de chair, souvent associée pour la femme à la peur et à la douleur. Même un succès en apparence aussi anodin et consensuel que La Maladie d’amour en porte la marque, n’associant la sexualité féminine qu’à la souffrance et à la reproduction Elle fait chanter les hommes et s’agrandir le monde Elle fait parfois souffrir tout le long d’une vie Elle fait pleurer les femmes elle fait crier dans l’ombre Mais le plus douloureux c’est quand on en guérit. 63Les opposants à Michel Sardou n’ont donc eu besoin que d’un peu de mauvaise foi pour lui reprocher d’interpréter un personnage qui fantasme un viol Dans les villes de grandes solitude, en 1975. 64Il faut attendre le début des années 80, période à laquelle les femmes libérées sont devenues un thème incontournable en chanson, pour que Michel Sardou fasse machine arrière. Être une femme, sans cesse repris depuis, est resté dans toutes les mémoires, même s’il est souvent connu à tort sous le titre de Femme des années 80. Il a cependant été très vite amputé de son couplet introducteur, qui transfère sur l’interprète toutes les qualités viriles du personnage Dans un voyage en absurdie Que je fais lorsque je m’ennuie J’ai imaginé sans complexe Qu’un matin je changeais de sexe Que je vivais l’étrange drame D’être une femme. 65Si la femme se doit d’être forte, Michel Sardou la confine dans un rôle plus traditionnel. Il persiste et signe en 1984, en créant avec Une femme, ma fille, la version féminisée d’un célèbre poème de Kipling Si tu lui donnes l’enfant qu’il te prie de lui faire Comme un cadeau du ciel comme un fruit de la terre Si tu remplis son cœur au fil de chaque jour De ta tendre chaleur et de tes mots d’amour Si tu peux l’écouter quand il chante trop haut Et chanter avec lui pour que ce soit moins faux ... Si tu sais tout cela Comme les milliards de femmes qui l’ont fait avant toi Et si dans son bonheur tu vois le tien qui brille Ce jour-là tu seras une femme ma fille ma fille. 66Il ne faut pas s’étonner que cette chanson à contre-courant ait eu peu de carrière. Marie Jeanne, en revanche, a été un grand succès, prouvant une fois de plus que l’artiste excelle dans le pessimisme. La chanson dresse en effet un bilan très mitigé de la libération féminine, évoquant des femmes qui ont renoncé à leurs rêves de jeunes filles. 67L’écoute du répertoire complet de Michel Sardou assigne donc à la femme un rôle précis et réactionnaire, mais cela va de pair, individualisme oblige, avec une tendresse particulière pour certains comportements marginaux. 68Cette tolérance ne s’applique pas qu’au personnage du Curé, et peut aussi bien concerner une prostituée. L’Autre femme, comme l’indiquent ses orchestrations très datées à base d’orgue et de batteries, est créée au début des années 80. Près d’un siècle après que ce thème a fait son apparition en chanson, Michel Sardou innove peu, mais fait la synthèse de tous les topoï accumulés sur le sujet. Il n’évite que celui de la prostituée amoureuse, hérité de Piaf, préférant évoquer une femme libérée élevant seule son enfant. Pour le reste, les thèmes des différents couplets sont empruntés à un répertoire classique, qui va de Ferré à Brassens, en passant par Reggiani. Les difficultés du métier, le rôle de sœur de charité » des prostituées, l’errance affective de leur client, et l’affirmation selon laquelle la prostituée n’est pas plus immorale que certaines femmes volages ou mariées par intérêt, rien de tout cela n’est nouveau. Une telle tolérance a pourtant de quoi surprendre son public, d’autant que Michel Sardou défend le titre en concert avec une grande régularité. Cela ne l’a pourtant pas empêché, sur son dernier album, d’enregistrer Valentine day, un titre dont l’action se situe dans le passé, pour introduire un stéréotype rétrograde. Il s’agit en effet, en évoquant les filles qui allèrent peupler les colonies américaines, de chanter les amours vénales sur un rythme insouciant et joyeux, qui déresponsabilise les hommes. Ce type de discours, qui associe bonheur de l’homme et prostitution, n’avait pas été illustré en chanson depuis Les petites femmes de Pigalle de Serge Lama, titre déjà misogyne pour son époque. Le contexte féministe des années 1970, auquel on sait que Michel Sardou est peu sensible, avait jusque là fait disparaître ce type de répertoire. 69En revanche, la tolérance pour l’homosexualité masculine semble croître avec le temps. S’il est, de ce point vue, en phase avec la société, Michel Sardou est plutôt réactionnaire par rapport au milieu de la chanson. En effet, alors que les années 70 ont vu naître et prospérer des chansons tolérantes – à la suite de Comme ils disent de Charles Aznavour créé en 1971 – il affichait durant la même période un mépris virulent. Après avoir moqué Le Rire du sergent, et dénoncé l’homosexualité latente des pensionnats dans Le Surveillant général, il a employé le terme pédé » comme une injure dans J’accuse. Mais l’évolution de la société a fini par l’influencer et, en 1990, il a enregistré Le Privilège. L’homosexualité y est abordée par le biais de l’aveu à la mère, ce qui permet d’esquiver les questions d’amour ou de vie de couple D’abord je vais lui dire Maman Je ne veux plus dormir en pension Et puis je glisserai lentement Sur les ravages de la passion. 70Les procédés employés – orchestrations à base de piano et de guitare, usage de la première personne, vocabulaire affectif, hyperboles – permettent une forme d’identification de l’auditeur au personnage. Le texte du refrain, toutefois, reste imprégné des préjugés des années 70, qui font de l’homosexualité une maladie mentale et une source de culpabilité plutôt qu’un privilège » Est-ce une maladie ordinaire Un garçon qui aime un garçon ? 71La tolérance qu’affiche Michel Sardou pour les individus marginaux qui vivent leur liberté sexuelle est donc aussi grande que peut l’être celle d’un homme qui revendique son appartenance à une droite catholique. Conclusion le succès d’un Français râleur 72À l’écoute de l’ensemble du répertoire, les contradictions apparentes que Michel Sardou revendique souvent laissent apparaître une grande cohérence. Motivée par l’individualisme forcené d’un homme qui s’est forgé seul un destin de vedette, sa vision du monde manifeste une grande méfiance vis-à-vis de la société et de ses institutions, et une insatisfaction chronique à l’égard de la politique. Cet état d’esprit, qui existe aussi chez des chanteurs de gauche, explique la violence de ses diatribes militantes. Ses opinions de droite sont moins fondées sur des options économiques que sur des options morales s’il est tolérant envers la marginalité, il conserve une image de la femme et de la famille très rétrograde, issue d’une éducation catholique. Joints à son pessimisme et à son angoisse du déclin, l’évolution de la société en matière de mœurs et la situation économique lui fournissent nombre d’occasions de créer des chansons en accord avec son goût prononcé pour la déploration. 73Bien sûr, ces opinions n’expliquent pas le succès de Michel Sardou. Celui-ci s’appuie d’abord sur une voix et des prestations scéniques très travaillées, d’une sobriété efficace. Sur des collaborateurs ensuite, qu’il s’agisse de compositeurs et d’auteurs de grand talent – parmi lesquels Jacques Revaux, Pierre Delanoë, Didier Barbelivien et Michel Fugain –, ou d’une multitude d’orchestrateurs qui permettent à l’artiste de renouveler son univers sonore. Sur des apparitions médiatiques régulières dans des émissions consensuelles, enfin, qui lui assurent une grande visibilité, et lui permettent de tenter d’étouffer d’éventuelles polémiques. 74Mais, dans la chanson politique, on ne peut prêcher qu’à des convaincus, et si Michel Sardou séduit, c’est parce qu’il est en phase à la fois avec un public de droite et avec un autre plus dépolitisé et désillusionné. Râleurs et conservateurs, plus pessimistes pour la société que pour leur situation personnelle, constatant avec une relative bienveillance une évolution des mœurs à laquelle ils semblent peu participer, les personnes à qui s’adressent les chansons de Michel Sardou ressemblent fort à une image du Français moyen héritée des années 1970. Ils sont issus d’une France peuplée de blancs catholiques n’appréciant des étrangers, en particuliers des arabes, que leur caractère exotique. Michel Sardou est leur seul porte-parole dans le domaine de la chanson française. Mais si l’artiste touche un public plus large, authentiquement populaire, c’est parce qu’il sait fédérer tous ceux – et ils sont nombreux depuis l’époque du France – qui conservent un attachement profond à leur pays et le désir ambigu de se lamenter continuellement sur son déclin.

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Sur Gainsbourg ou Gainsbarre, on nous raconte toujours les mêmes histoires la destruction de ses toiles, sa rencontre avec Boris Vian, France Gall, Brigitte Bardot, Jane Birkin, sa version controversée de la Marseillaise», l’incendie du billet de 500 francs. Ce qu’on sait moins, c’est le rôle primordial que la littérature − et particulièrement celle du XIXe siècle − a joué dans sa vie comme dans son œuvre. Dans ses Pensées», Gainsbourg écrivait pourtant Je vais essayer de rejoindre Rimbaud, je veux l’approcher... Un jour je le retrouverai, quelque part en Abyssinie, où il faisait le trafic des armes et de l’or...» En s’inspirant continuellement des poètes et écrivains qu’il admirait Baudelaire, Poe, Benjamin Constant, Flaubert, Huysmans, Gainsbourg a réussi son alchimie du verbe» il a changé son art mineur» en art majeur et transmuté la chanson en poésie. La preuve en paroles et suite après la publicité Comme dit si bien Verlaine… Verlaine le dit si bien qu’il faut le réécrire. Je suis venu te dire que je m’en vais» est à la fois l’un des titres les plus connus de Gainsbourg et le meilleur exemple d’une chanson qui n’est pas tout à fait la sienne. Alors qu’elle met en place un principe de découpages et de collures» mes textes ne sont que collures», disait-il du poème de Verlaine Chanson d’automne», le titre est une trouvaille typique de l’auteur qui excelle dans l’art du paradoxe pensons par exemple à Souviens-toi de m’oublier». Le début de la chanson naît de la fin du poème car c’est au quinzième vers seulement sur dix-huit qu’on lit Et je m’en vais». Si Chanson d’automne» traite de la nostalgie et de la douleur liée au temps qui passe, Gainsbourg change les codes il n’est plus question d’automne, ou alors de l’automne comme saison métaphorique des amours fanées qu’il faut laisser balayer par le vent. Sa version devient un monotone monologue entre un je» et un tu», un homme et une femme qui reprend les larmes à son compte. Seul un vers est utilisé explicitement Comme dit si bien Verlaine/Au vent mauvais». En citant le nom du poète, Gainsbourg revendique clairement son héritage poétique. Le couplet suivant à gauche est celui qui se rapproche le plus de Verlaine à droite Tu t'souviens des jours anciens et tu pleuresTu suffoques, tu blêmis à présent qu'a sonné l'heureDes adieux à jamaisOui je suis au regretDe te dire que je m'en vaisOui je t'aimais, oui, mais Tout suffocantEt blême, quandSonne l'heure,Je me souviensDes jours anciensEt je pleureLa suite après la publicité Mais Gainsbourg change de pronom personnel et inverse les deux strophes. Ophélie "opheeling" de Shakespeare à Gainsbourg en passant par Rimbaud L’exemple précédent est le parangon de la réécriture Gainsbourg s’approprie le poème de Verlaine et reprend son vocabulaire. Avec Ophélie», l’ambition est tout autre. Le personnage provient de la pièce de Shakespeare, Hamlet». Fille de Polonius et sœur de Laërte, Ophélie est amoureuse de Hamlet qui feint de ne pas l’aimer en retour. Lorsqu’il tue Polonius par erreur, Ophélie devient folle et on la retrouve noyée dans un ruisseau. Dans la pièce, toute la question est de savoir si sa noyade est un accident ou un suicide. C'est devenu un véritable thème pictural et littéraire, quand Rimbaud rédige à son tour, en 1870, un poème intitulé Ophélie». Un siècle plus tard, en 1971, Gainsbourg écrit la Noyée». Son défi est alors de proposer une nouvelle lecture de l’histoire et surtout d’arriver à passer après Rimbaud. Curieusement, le mot noyée» n’était pas présent chez le poète. Son Ophélie semblait avoir été victime d’un accident Oui tu mourus, enfant, par un fleuve emporté!». En choisissant pour titre la Noyée», Gainsbourg privilégie la thèse du suicide et se rapproche davantage de la version shakespearienne. Créée pour le film d’Abraham Polonsky, Le Roman d’un voleur de chevaux», la chanson n’est interprétée qu’une seule fois par Gainsbourg en 1972 et n’est disponible à la vente qu’en 1994. Bien qu’inconnue du grand public, elle est l’une des plus poignantes de son répertoire et la musique renforce le sentiment de désespérance qui émane des suite après la publicité Mais Gainsbourg ne s’arrête pas là en 1990, il signe une nouvelle version pour Vanessa Paradis. Cette fois, la musique est pop-rock et enlève à la situation de la belle Ophélie» sa dimension dramatique. Pour obtenir d’un garçon qu’il l’aime autant qu’elle l’aime, la chanteuse explique qu’elle voudrait prendre la place de cette fascinante héroïne. L’écriture est moderne et caractéristique de Gainsbourg Des traces de cent/Pour cent c’est là le sang/Comme celui d’Ophélie/Se ronger les sangs/À quoi bon les san-/Glots dans l’ennui». Cependant, on trouve deux références à la version de Rimbaud. D’une part, Gainsbourg utilise le décor de la nuit» comme faisait le poète; d’autre part, alors que Rimbaud écrit Les nénuphars froissés soupirent autour d’elle» et évoque les lys», les saules» et les roseaux», Gainsbourg fait allusion aux nénuphars» et aux plantes rares». La suite après la publicité "Élisa" la chercheuse de poux En 1969 sort la célèbre chanson Élisa», dans laquelle Gainsbourg réclame à une jeune femme de lui inspecter le cuir chevelu. Il est très probable que cette idée lui soit venue d’un poème de Rimbaud intitulé Les chercheuses de poux». Le poète y décrit le rituel de deux grandes sœurs charmantes» on ignore si elles sont religieuses ou sœurs de sang qui tuent les poux cachés dans la tête d’un enfant». La mort des poux donne alors lieu à une scène placée sous le signe de l’excitation des sens et du plaisir toutes proportions gardées à la fois sadique Il écoute chanter leurs haleines craintives/Qui fleurent de longs miels végétaux et rosés/Et qu'interrompt parfois un sifflement, salives/Reprises sur la lèvre ou désirs de baisers»; et masochiste L'enfant se sent, selon la lenteur des caresses/Sourdre et mourir sans cesse un désir de pleurer». Adorateur de Rimbaud, Serge Gainsbourg a nécessairement lu ce poème. On peut imaginer que ce tableau lui plaît. Si Élisa» n’a jamais été revendiquée comme une réécriture des Chercheuses de poux», elle est l’exemple même d’une lecture digérée qui a permis à l’auteur d’inventer, au sens premier de dé-couvrir, un thème littéraire décoiffant. Là où Rimbaud use et abuse de qualificatifs Avec de frêles doigts aux ongles argentins», leurs doigts fins, terribles et charmeurs», leurs doigts électriques et doux» et leurs ongles royaux», Gainsbourg économise ses mots Élisa, ÉlisaÉlisa saute-moi au couÉlisa, ÉlisaÉlisa cherche-moi des poux,Enfonce bien tes ongles,Et tes doigts délicatsDans la jongleDe mes cheveux Lisa La figure enfantine ne disparaît pas tout à fait puisque la chasse aux poux prend la forme d’un jeu d’enfants qui ont treize, quatorze ans à [eux] deux». La vérité, c’est qu’Élisa est une jeune femme qui joue à la coiffeuse avec un homme qui a deux fois son âge Tes vingt ans, mes quarante/Si tu crois que cela/Me tourmente/Ah non vraiment Lisa». Certainement suscité par la rime en [ente], le verbe tourmenter fait cependant écho au premier vers de Rimbaud Quand le front de l'enfant, plein de rouges tourmentes».La suite après la publicité Le culte du cargo, de Heredia à Melody Nelson Pour l’écriture des deux sonnets dont est composée Cargo culte», la chanson finale de l’Histoire de Melody Nelson», Gainsbourg s’est ouvertement inspiré de la poésie de José-Maria de Heredia, l’un des maîtres du mouvement parnassien. Il l'avait confié à Patrick Chompré et Jean-Luc Leray, alors journalistes pour France-Culture Il y a parfois une prosodie qui est d’une telle sophistication qu’elle ne peut se mettre en mélodie [...] le sonnet, je pense que c’est ce qu’il y a de plus pur dans la prosodie, dans la rigueur de la poésie, et ce qui m’a subjugué, c’est tout simple, c’est Heredia "Comme un vol de gerfauts hors du charnier natal", etc. Je commence à aborder la poésie dans son état pur et rigoureux. Donc c’est ici un tournant vers qu’il cite est extrait du poème Les Conquérants», dans lequel Heredia narre le voyage de Conquistadors espérant des lendemains épiques». Le voyage de Melody, lui, n’est pas à destination de l’Amérique elle veut revoir le ciel de Sunderland», ville d’Angleterre dont elle est originaire. Cargo culte» est une version pessimiste voire désespérée du poème qui transforme les Conquérants en des naufrageurs naïfs armés de sarbacanes». Le culte du cargo fascine Gainsbourg, son narrateur finit par s’identifier aux sorciers» eux prient le ciel de leur envoyer des marchandises, lui pour que les cieux lui rendent [s]es amours dérisoires». La suite après la publicité Tout cela n'empêche pourtant pas que Gainsbourg se soit aussi inspiré du Bateau ivre». La première phrase de la chanson commence par Je sais moi des sorciers qui invoquent les jets». Elle rappelle la répétition présente au huitième quatrain du poème de Rimbaud Je sais les cieux crevant en éclairs, et les trombes/Et les ressacs et les courants je sais le soir». Et dans le second sonnet, Melody est comme réifiée, son corps devient un bateau égaré Où es-tu Melody et ton corps disloquéHante-t-il l’archipel que peuplent les sirènesOu bien accrochée au cargo dont la sirèneD’alarme s’est tue, es-tu restée Au hasard des courants as-tu déjà touchéCes lumineux coraux des côtes guinéennesOù s’agitent en vain ces sorciers indigènesQui espèrent encore en des avions brisésLa suite après la publicité Gainsbourg est ici au sommet de son art. Derrière les mots s’est tue, es», on peut entendre s’est tuée». Mais la mort de Melody, trop douloureuse pour le narrateur, n’est jamais exprimée directement. "Initials un texte palimpseste L’une des chansons mythiques de Gainsbourg trouve son origine à la fois chez Edgar Allan Poe et chez Baudelaire. Le premier couplet à gauche s’inspire librement de la première strophe du poème le Corbeau» de Poe à droite - et d’ailleurs traduit en français par Baudelaire Une nuit que j’étaisÀ me morfondreDans quelques pubs anglaisDu cœur de Londres Une fois, sur le minuit lugubre, pendant que je méditais, faible et fatigué,La suite après la publicité Parcourant l’Amour Mon-Stre de PauwelsMe vint une visionDans l’eau de Seltz Sur maint précieux et curieux volume d’une doctrine oubliée,Pendant que je donnais de la tête, presque assoupi, soudain il se fit un tapotement,Comme de quelqu'un frappant doucement, frappant à la porte de ma chambre. Pour démarrer sa chanson, Gainsbourg ne reprend pas la traduction de Baudelaire mais il est étonnant de constater qu’un poème des Fleurs du mal» commence par ces mots Une nuit que j’étais près d’une affreuse Juive». La fameuse construction syntaxique qui ouvre Initials est donc une réminiscence du poème XXXII» de Spleen et Idéal». Et ce n'est pas tout. Le reste de la chanson contient des souvenirs plus ou moins flous d'au moins trois autres poèmes du recueil Hymne à la Beauté», Parfum exotique» et Les Bijoux». ComparonsLa suite après la publicité Jusques en haut des cuissesElle est bottéeEt c’est comme un caliceÀ sa beauté Tu contiens dans ton œil le couchant et l’aurore ;Tu répands des parfums comme un soir orageux ;Tes baisers sont un philtre et ta bouche une amphoreQui font le héros lâche et l’enfant courageux. Hymne à la beauté», v. 5-8 Le calice à sa beauté» n'est-il pas une image voisine de celle créée par Baudelaire au troisième vers avec et ta bouche une amphore»? ContinuonsLa suite après la publicité Elle ne porte rienD’autre qu’un peuD’essence de GuerlainDans les cheveux Guidé par ton odeur vers de charmants climats,Je vois un port rempli de voiles et de mâtsEncor tout fatigués par la vague marine,Pendant que le parfum des verts tamariniers,Qui circule dans l’air et m’enfle la narine,Se mêle dans mon âme au chant des mariniers. Parfum exotique», v. 9-14 L’essence de Guerlain portée par Brigitte Bardot est bien le parfum exotique qui la guide vers le port d’Alméria, au grand dam de Serge Gainsbourg. De façon plus évidente, deux couplets de la chanson font immédiatement penser aux Bijoux» de BaudelaireLa suite après la publicité À chaque mouvementOn entendaitLes clochettes d’argentDe ses poignetsAgitant ses grelotsElle avançaEt prononça ce mot Alméria La très-chère était nue, et, connaissant mon cœur,Elle n’avait gardé que ses bijoux sonores, Tandis que des médaillesD’impératorFont briller à sa tailleLe bronze et l’orLe platine lui graveD’un cercle froidLa marque des esclavesÀ chaque doigt Dont le riche attirail lui donnait l’air vainqueurQu’ont dans leurs jours heureux les esclaves des suite après la publicité Cette chanson s’avère un véritable palimpseste dont les différentes strates se révèlent à mesure qu’on l’écoute, le tout étant renforcé par l’emprunt du thème principal à Dvorák. Initials devient, sous la plume de Gainsbourg, la symphonie d’un nouveau monde sans Brigitte Bardot. "Le poinçonneur des Lilas" et autres "Correspondances" Initials n’est pas la seule chanson à reprendre le thème des bijoux sonores». En témoigne cet extrait de Couleur café» Alors j’entends murmurer/Tous tes bracelets/Jolis bracelets/À tes pieds ils se balancent». Gainsbourg partage les fantasmes de Baudelaire liés au féminin les bijoux, les cheveux, les odeurs. Il a parsemé son œuvre de références aux Fleurs du Mal». Ainsi, Lætitia, plus connue sous l’épellation de Elaeudanla Teïtéïa», est comparée à une fleur bien maladive» et dans l’Alcool», il est question de fleurs horribles» dans une chambre Mes illusions donnent sur la courDes horizons j’en ai pas lourdQuand j’ai bossé toute la journéeIl m’reste plus pour rêverQu’les fleurs horribles de ma chambreLa suite après la publicité Cette chanson − sorte de Poème de l’Alcool», à la manière du Poème du Haschich» de Baudelaire − donne à entendre la suite des aventures du poinçonneur des Lilas» qui sous son ciel de faïence [ne] voit briller que les correspondances». Et s’il s’agissait d’un discret clin d’œil au poème de Baudelaire, Correspondances»? Après tout, le poinçonneur est un lecteur Pour tuer l’ennui j’ai dans ma veste/Les extraits du Reader Digest». N'en doutons plus, Gainsbourg est imprégné de la mélancolie décrite par Baudelaire, et l’Anthracite» achève de le montrer Mais prends garde ma petiteÀ mon humeur anthraciteJ’arracherai animalLe cri et les fleurs du malFleurs de serre fleurs mauditesÀ la nuit noir anthracite Subtilement, il glisse les Fleurs du mal» dans son texte, comme il le fera ensuite dans Sorry Angel» avec À rebours», de Huysmans Le compte avait commencé/À rebours/Était-ce vertige déveine/Qui sait».La suite après la publicité Un dernier exemple enfin, peut être emprunté aux Onze Mille Verges» d’Apollinaire qui, dans son roman érotique, met en exergue le distique fameux d’Alphonse Allais» La trépidation excitante des trains nous glisse des désirs dans la moelle des reins Gainsbourg, imbibé de cet ouvrage, nous sert un fond de sidérodromophilie dans Scenic railway», et reprend quatre vers pour la route dans Harley Davidson» Quand je sens en chemin les trépidations de ma machine, il me monte des désirs dans le creux de mes reins » Joseph Ginzburg, le père de Serge, pensait que le mot poète était un qualificatif trop conventionnel» pour son fils, qu’il aurait fallu qu’on invente un nouveau mot pour lui». Et il est vrai que cette étiquette ne colle pas avec le personnage. Gainsbourg confiait lui-même que la poésie dans son état pur n’a pas besoin d’un apport musical», ajoutant avec sa spontanéité légendaire C’est là où ça me fait chier parce que j’aime la musique». La musique qu’il aime, justement, c’est − comme en littérature − celle du XIXe il reprend Beethoven dans Poupée de Cire, Poupée de Son», adapte Chopin et Brahms dans Lemon Incest», Jane B.» et Baby alone in Babylone». En faisant remarquablement du neuf avec du vieux, il devient réinventeur professionnel. Il faut être absolument moderne», écrivait Rimbaud. Si Gainsbourg l’a compris? Affirmatif. S’il a rejoint son maître? No suite après la publicité Chloé Thibaud Pensées, provocs et autres volutes, par Serge Gainsbourg, Le Cherche Midi, 193 p., 13 euros. Les Manuscrits de Serge Gainsbourg, par Laurent Balandras, Textuel, 400 p., 49,70 euros. Gainsbourg, par Gilles Verlant, Albin Michel, 774 p., 30 euros. En relisant Gainsbourg, par Chloé Thibaud, bleu nuit éditeur, 144 p., 14 euros.

Allezon part, on mets les voiles Allez on part, on met les voiles On va s'offrir une autre étoile On quitte la terre aujourd'hui Pour visiter la galaxie. Refrain 1, 2, tout est paré 3, 4,

Posts Archive Viens, on met les voiles, on part camper sur les étoiles. Patti bukowski More you might like “Savais-tu qu'un cactus avait une fleur ? Au milieu des pics se cache un cœur.”― Oxmo Puccino Mais il ne pleurait pas. Chose bizarre, il était trop déprimé, trop blessé, pour pleurer. Comme si Katherine avait emporté ce qui pleurait en Green “J'ai longtemps pensé que nous vivions dans un asile à ciel ouvert, avec du recul j'ai découvert qu'on est tous de la même planète, mais pas du même monde, votre dimension n'est pas nette, la mienne est profonde, en plongée constante, vu qu'à la surface l'apparence trompe.”― Oxmo Puccino i can’t unfeel your paini can’t undo what’s donei can’t send back the rainbut if i could,i Script You can go the distance You can go the mileYou can walk straight through hell with a script What am I supposed to do when the best part of me was always you?And what am I supposed to say when I’m all choked up and you’re ok?-The Script “J'ai longtemps pensé que nous vivions dans un asile à ciel ouvert, avec du recul j'ai découvert qu'on est tous de la même planète, mais pas du même monde, votre dimension n'est pas nette, la mienne est profonde, en plongée constante, vu qu'à la surface l'apparence trompe.”― Oxmo Puccino 7angelx My energy isn’t for everyone. And that’s intentional. Tu les traites comme s’ils avaient un coeur comme le tiens mais, tout le monde ne peut pas avoir ta douceur et ta tendresse. Tu ne vois pas la personne qu’ils sont, tu vois la personne qu’ils ont le potentiel d’être. Tu donnes et tu donnes jusqu’à ce qu’ils extirpent tout de toi et te laissent Kaur citation Peut-être que je ne mérite pas de belles choses parce que je paie pour des péchés dont je ne me souviens Kaur citation

Parolesde la chanson On Met Les Voiles par Alonzo Kore, Alonz', yeah Mamé Au quartier c'est la merde, oui viens on s'fait la malle Au calme en bord de mer, qu'on kiffe la life Ici

12 janvier 2007 5 12 /01 /janvier /2007 1805 Commentaire des chansons La plupart des chansons marquées en gras sont visibles dans cette rubrique et sont accompagnées des partitions que vous pouvez télécharger gratuitement. 1. En Lorraine, il y a de vastes vergers. Les arbres de ces vergers regorgent de fruits dorés comme des soleils. La prune reine de Lorraine c’est la mirabelle ».2. Les mariniers, les éclusiers ! Cela me rappelle mes très jeunes années, lorsque je travaillais aux écluses dans la vallée de Cayenne » entre Messein et Richardménil. C’était pendant les vacances scolaires, je remplaçais les éclusiers en congés. Le reste de l’année, j’apprenais le métier de marinier dans un Lycée professionnel. Mes premiers pas dans le métier, m’ont menés non pas sur un plat-bord, mais sur le bajoyer d’une écluse. J’étais novice à l’écluse ».3. A bien observer les capitaines, leurs gestes au quotidien ne sont pas très variés. Plutôt répétitifs, limités et restreins. En effet, tenant d’une main le macaron », et de l’autre le litron, car en péniche, on ne risque pas de faire des excès de vitesse, de griller un stop …chanson des capitaines.4. Puis je me suis embarqué. Et là, j’ai connu la vie à bord et le travail du matelot. Je devrais dire l’art du matelotage. Car le matelot doit savoir tout faire à bord et ce, de l’étrave à l’étambot ».chanson du matelot.5. J’ai découvert les charmes de la vie à bord, des chemins de l’eau, et des paysages des abords des rivières, mais aussi la dureté de ce métier et les conditions de travail des garçons des rivières ».6. Les gens d’à terre » nous voyant passer, s’imaginent que notre vie se résume à se laisser glisser en douce sans rien faire sur canaux et rivières. Mais dans nos péniches », Mesdames, Messieurs…7. Une chanson des mariniers de Loire dit y a pas de gens plus drôles que sont les mariniers »… Les bateaux attirent les belles dames. Reste à les faire monter à bord, pour cela, il vaut mieux s’y prendre gaiement que timidement, comme dans la chanson Gaiement marinier ».8. Il s’en passe des choses sur les rivières et leurs abords ! Sur les chemins de halage, les promeneuses échappaient rarement à la vigilance et l’intérêt des mariniers qui les voyait déjà à leur bord, au fil de l’eau ».9. Pour le plaisir des sens, il y a la bonne cuisine et la bonne cuisinière. En mer, on fait la moule marinière, en rivière, on fait l’amour marinière ».10. Les années ont passées, la batellerie a changée, s’est transformée, s’est adaptée et ce qui était, n’est plus. Voici de mémoire de mariniers Le temps de la batellerie ».11. Alors j’ai débarqué pour faire musicien. "Scottish" 12 “ Sur le canal de l’Est ” c’est plus comme Le long de la rivière », j’ai rencontré…14. Sur les bord de l’île, sur les bords de l’eau J’ai un bateau ».15. Après une escale de plusieurs années, je suis retourné à bord. Cela a commencé avec une chanson intitulée Hé ho ! du bateau ! »16. C’est bien d’avoir un bateau. Encore faut il qu’il soit en état, et non sujet aux avaries » . Pour parer à ce fléau, il faut posséder un bon batardeau ou, avoir de la couenne de Beaucoup de familles marinières ont débarquées, pour d’autres, les hommes sont restés à bord laissant femmes et enfants à terre. A leur retour, ils avaient toujours Grand soif ».18. Puis vint le moment du départ. Je passerai la rivière ».19. Sur un bateau on ne fait pas semblant, il ne faut pas avoir les pieds dans le même sabots ou entretenir son poil dans la main car Quand on est marinier » on l’est pas pour de faux !20. Le refrain de la chanson suivante commence par Sur le quai du port Ste-Catherine », alors que les scènes évoquées se déroulent sur le quai voisin le quai St-Georges . L’exigence de l’écriture en a décidée autrement afin de faciliter la rime. Oyez donc !21. En vous promenant sur le quai St-Georges, vous pourrez peut-être y rencontrer un personnage qui vous dira Bonjour, moi c’est Gillou ! Alors ! Vous le trouvez comment mon bateau ? ou bien il est pas beau mon bateau ?!? » C’est sûr qu’il est beau car le gars a bien travaillé pour l’aménager et le restaurer. Il peut donc en être fier et chanter Mon bateau c’est "l’Alicante" pour moi c’est la plus charmante »… Published by Légend'eaux Rohan - dans Chansons paroles partoches 28 décembre 2006 4 28 /12 /décembre /2006 1645 Oh hisse ! Cap’tain’ Monfils. Oh hisse ! Cap’tain’ Monfils. Oh hisse ! Cap’tain’ Monfils Bienv’nu à bord, Cap’ain’ Victor. bis Oh hisse ! Cap’tain’ MonfilsQuittons le port, Cap’ain’ Victor. bis Oh hisse ! Cap’tain’ MonfilsHors du corps mort...Vir’ à tribord…Met l’cap au Nord…Souquez plus fort…Dedans, dehors…Point de remords…Cachons l’ trésor…On roule sur l’or…On est d’accord…L’or nous dévore…Cent mille sabords…Le vent nous mord…Coquin de sort…Quand est-ce qu’on dort ?…Chantons encore…On vous adore, Cap’ain’ Victor. Toutes les chansons et musiques de ma composition sont protégées. Vous pouvez les téléchargées, les interprétées, les réarangées, les jouées, les recommandées mais en aucun cas, vous en attribuer la paternité Published by Légend'eaux Rohan - dans Chansons paroles partoches 22 décembre 2006 5 22 /12 /décembre /2006 1559 La femme du capitaine La femme du capitaine Le seul maître à bord, c’est le capitaine ! sauf quand sa femme est là. Adaptation d'une chanson du répertoire traditionnel . Quand ma femm’ lav’ le bateau, mon mat’lot lui tient le seau. Et moi l’Cap’taine, le maître à bord, je tiens la barre coquin de sort. Quand ma femm’ va-t-amarrer, mon mat’lot est à côté. Et moi l’Cap’taine, le maître à bord, j’occupe les gosses coquin de sort. Quand ma femm’ sonne le dîner, mon mat’lot est attablé. Et moi l’Cap’taine, le maître à bord, j’met les assiettes coquin de sort. Quand ma femm’ se sert du vin, mon mat’lot en est d’jà plein. Et moi l’Cap’taine, le maître à bord, j’suis à la flotte coquin de sort. Quand ma femm’ mange ses p’tits pois, mon mat’lot en prend deux fois. Et moi l’Cap’taine, le maître à bord, j’lèche la casserole coquin de sort. Quand ma femm’ prend son dessert, mon mat’lot lui s’en ressert. Et moi l’Cap’taine, le maître à bord, j’fais la vaisselle coquin de sort. Quand ma femm’ a d’la paresse, mon mat’lot la pousse aux fesses. Et moi l’Cap’taine, le maître à bord, j’astique les cuivres coquin de sort. Quand ma femm’ va prendr’ son bain, mon mat’lot aussi prend l’sien. Et moi l’Cap’taine, le maître à bord,j’suis dans les chiottes coquin de sort. Quand ma femm’ se met au lit, mon mat’lot s’y met aussi. Et moi l’Cap’taine, le maître à bord, j’tiens la chandelle coquin de sort. Toutes les chansons et musiques de ma composition sont protégées. Vous pouvez les téléchargées, les interprétées, les réarangées, les jouées, les recommandées mais en aucun cas, vous en attribuer la paternité Published by Légend'eaux Rohan - dans Chansons paroles partoches 26 octobre 2006 4 26 /10 /octobre /2006 1346 Dans la barque à Dujonc Dans la barque à Dujonc. Bourrée 3 temps Paroles et musique Rohan Dans la barqu’à Dujonc, l’on y rame, l’on y la barqu’à Dujonc l’on y rame z’à reculons. bisL’on y rame, l’on y rame, dans an la-a barqu’à Dujonc. L’on y rame, l’on y rame, l’on y ra-a-me z’ à reculons. Dans la barqu’à Dujonc, il y a cannes, z’il y a la barqu’à Dujonc, il y a cann’ z’et Hameçons. bisIl y a cannes, z’il y a cannes, dans an la-a barqu’à Dujonc. Il y a cannes, z’il y a cannes, il y a cann’ z’ et Hameçons. Dans la barqu’à Dujonc, l’on appâte, l’on la barqu’à Dujonc, l’on appâte le gardon. bisL’on appâte, l’on appâte, dans an la-a barqu’à appâte, l’on appâte, l’on appâ-âte le gardon. Dans la barqu’à Dujonc, l’on y ferre, l’on y la barqu’à Dujonc, l’on y ferre le goujon. bisL’on y ferre, l’on y ferre, dans an la-a barqu’à y ferre, l’on y ferre, l’on y fe-erre le goujon. Dans la barqu’à Dujonc, l’on écaille, l’on la barqu’à Dujonc, l’on éca-aille le poisson. bisL’on écaille, l’on écaille, dans an la-a barqu’à écaille, l’on écaille, l’on éca-aille le poisson. Dans la barqu’à Dujonc, l’on y chante, l’on y la barqu’à Dujonc, l’on y chante z’ à pleins poumons. bisL’on y chante, l’on y chante, dans an la-a barqu’à Dujonc. L’on y chante, l’on y chante, l’on y chant’ z’ à pleins poumons. Toutes les chansons et musiques de ma composition sont protégées. Vous pouvez les téléchargées, les interprétées, les réarangées, les jouées, les recommandées mais en aucun cas, vous en attribuer la paternité Published by Légend'eaux Rohan - dans Chansons paroles partoches 25 octobre 2006 3 25 /10 /octobre /2006 1619 Le temps de la batellerie Le temps de la batellerie partoche Il est révolu le temps où les hommes tiraient les chalandsle sang aux pieds, le dos courbé, meurtris à force de tirer. Sur les chemin de halage, habillés de leur attelagesont arrivés les chevaux, pour faire avancer les bateaux. La voile ou la godille sont encore sur les embarcationsavant la mécanisation des moyens de propulsions. La vapeur a eu ses heures de gloire, de liesse et de malheursce fut une révolution, vive l'industrialisation. Et puis c'est au tour du diesel de donner aux bateaux des ailes,des hélices surpuissantes, robustes et endurantes. La voile ou la godille ont disparuent des embarcations,avec la mécanisation des moyens de propulsions. Enfin arrive le GPL, au temps venu du logiciel,la navigation c'est fini, les chargements roulent en semi. L'éclusier est congédié, l'écluse est automatisée,le fret est sur la voie férrée, le marinier va chômer. La clarté des eaux d'antan fait place aux rejets polluantsqui gangrènent les canaux les fleuves les rivières les ruisseaux. Ainsi fini la profession des gens de la navigation,on dit " c'est ça l'évolution " et vive la modernisation. Toutes les chansons et musiques de ma composition sont protégées. Vous pouvez les téléchargées, les interprétées, les réarangées, les jouées, les recommandées mais en aucun cas, vous en attribuer la paternité Published by Légend'eaux Rohan - dans Chansons paroles partoches 12 octobre 2006 4 12 /10 /octobre /2006 1451 Le passeur du printemps Le passeur du printemps La Marge / Margot, soyez la bienvenue, je n’avais personne à passerLa brise enfin est revenue nous pouvons dés lors traverser. Appuyez-vous sur moi ma blonde, nous en avons pour un instant,Ne craignez point le flux de l’onde tout ira bien l’amour aidant. Refrain Venez Margot dans ma nacelle, ma voile s’enfle au gré des vents,au gré des vents. Allons tous deux ma toute belle, l’amour attend, l’amour attend,l’amour appelle. Je suis le passeur du printemps, du printemps. J’ai cassé ma rame mignonne, pour vous passer plus mollement,Sur l’eau ma barque s’abandonne, le vent souffle plus fortement. Ciel, dit Margot, quelle imprudence, qu’avez-vous fait passeur ?J’ai peur ! Il me faut une récompense pour accoster dit le passeur. Refrain … Le canot en pleine dérive, s’en allait au gré du entendait sur l’autre rive, comme un faible écho babillard. De doux baisers de lèvres franches, le bruit charmant se répétait,Puis cachés tous deux sous les branches, dans un soupir le passeur disait … Refrain … Published by Légend'eaux Rohan - dans Chansons paroles partoches 12 octobre 2006 4 12 /10 /octobre /2006 1215 La chanson qui dérange La chanson qui dérange Paroles et musique Rohan Histoire vrai ! Cette scène s'est passée lors d'une fête nautique. Les hautes instances de VNF présentes, étaient invitées à se pavoiser sur une petite vedette de plaisance. J'étais à bord pour agrémenter le voyage de chansons batelières. Tout allait bien jusqu'au moment où j'ai chanté un de mes titres "Le temps de la batellerie" dans lequel je décris l'évolution de la batellerie depuis le halage à la bricole, jusqu'au déclin du transport sur les petits gabarits. La réflexion ne s'est pas faite attendre... " Vous ne devriez pas chanter cela "... "Contrairement à ce que vous pensez alors que je ne fais que restitiuer des témoignages d'authentiques mariniers qui savent de quoi ils causent... le métier se porte bien" alors que ma chanson n'évoque pas le grand gabarit "D'ailleurs on embauche sur le Rhône" j'vois pas l'rapport ! J'ai eu droit à la leçon de morale, au recadrage, à la démagogie,au discours présidentiel de vitrine dont je me fous royalement etc... Quand il a fallu accoster pour ramener la vedette à son lieu d'amarrage, ce fut une toute autre histoire. Le monsieur en question après 3 essais ratés, nous a quand même précisé que son permis ne datait pas d'hier... Il a fallu que ce soit un touriste sur le chemin, qui réceptionne l'amarre pour haler le bateau jusqu'à la berge. Moralité à la fin de la chanson C’est à bord d’une vedette de plaisancequ’embarqua ce monsieur de la capitaine céda sa place au macaron,et m’invita à entonner une chanson. Monsieur le président des voies de France où l’on naviguen’a pas apprécié ma chanson. Si j’avais quelque chose à dire, je ne m’adresserais pas à ceux qu’oncroit compétent, mais c’est bien pire de le chanter à ceux qu’on de président, que le nom. Car contrairement à ce que vous pensez » me dit-il, le transport par la voie d’eau n’est pas en baisse…On embauche sur le Rhône » !!! le métier se porte bien » ! Ma chanson, tout ce qu’elle dit, ça n’est pas moi qui le pense,la fin du petit gabarit et le chômage, je sais, ça chanson, emprunte des phrases que mon transmis les présent, un héritage, qu’ils m’ont chargé de restituer. Mais Monsieur le président des voies de France où l’on naviguen’a pas apprécié ma chanson. Si j’avais quelque chose à dire... Ma chanson, c’est un témoignage de la vie des gens des voyages,de ceux qui ont sillonné les eaux, les fleuves, les rivières, les chanson, elle parle du temps où les hommes tiraient les chalands,de l’industrialisation et de son évolution. Monsieur le président des voies de France où l’on naviguen’a pas apprécié ma chanson. Si j’avais quelque chose à dire... Ma chanson, c’est le miroir de tous les gens de ce terroir,de tous ceux qui ont navigué depuis qu’ils sont chanson éveil les enfants à c’qu’on n’leur apprend pas à l’école,sur la vie des gens des chalands, le savoir-faire, le halage à la bricole. Monsieur le président des voies de France où l’on naviguen’a pas apprécié ma chanson. Si j’avais quelque chose à dire... Ma chanson, c’est aussi un hommage au peuple des rives et des eaux,et se garde bien d’ fair’ du tapage avec c’ui qui sort d’un chanson elle vous dit m... ême, que si vous désirez plus d’informations,adressez-vous à ceux là même qui connaissent la chanson. Monsieur le président des voies de France où l’on naviguen’a pas apprécié ma chanson. Et quand on est président des voies de France où l’on navigue,pour éviter les commérages, on réussi au moins son accostage. J'ajoute que, même le grand gabarit est en difficulté car fin 2005, je naviguais sur la Seine et j'entendais à la phonie les mariniers qui se plaignaient du manque de diversité dans les chargements, la délocalisation des entreprises riveraines, du coût des aménagements qu'ils doivent effectuer sur leur bateau pour s'adapter aux chargements etc... A ce propos voir l'article " Coup de gueule " dans le menu à la rubrique les potins d'à bord Toutes les chansons et musiques de ma composition sont protégées. Vous pouvez les téléchargées, les interprétées, les réarangées, les jouées, les recommandées mais en aucun cas, vous en attribuer la paternité Published by Légend'eaux Rohan - dans Chansons paroles partoches 12 octobre 2006 4 12 /10 /octobre /2006 1151 Le parlé des Chie_en_l'eau Le parlé des chie-en-l’eau. Paroles Rohan Le parlé des mariniers est si particulier qu’il peux prêter à rireLeur vocabulaire n’est pas très universitaire pour ce qu’ils ont à direPas besoin d’érudition sur le plan donc ces expressions empruntées à leur jargon. Mets ton nez derrière ma fesse, étale ton ceint sur ma biteSurtout pas de maladresses marinier, quand tu t’agites ». Mets ton nez derrière ma fesse, étale ton ceint sur ma biteQuel plaisir quand ton avant, tout à mon arrière s’invite ». Il y a longtemps les mariniers naviguaient des boîtes à fumier »Pour loger ânes et chevaux tout au milieu de leur espérer la fortune il faut bouffer de la lune » Faire brûler son matelas » car à la veille » restera. Les haleurs dans le Berry, sont des ramasseurs de persil »Et bien qu’ils ne soient pas en deuil, sur l’eau promène leur cercueil ».Pour défricher le chemin, le haleur tenait dans sa mainCet engin appelé braquemard », aussi connu sous le nom de goyard ». Si l’on pisse à la peau du bord », c’est pour épargner les les gars des canaux sont surnommés les chie-en-l’eau ».A Dunkerque, les bateliers ne quittant jamais leur contrée, Par ce terme un peu familier, se sont fait appelés les becs-salés ». Toutes les chansons et musiques de ma composition sont protégées. Vous pouvez les téléchargées, les interprétées, les réarangées, les jouées, les recommandées mais en aucun cas, vous en attribuer la paternité Published by Légend'eaux Rohan - dans Chansons paroles partoches 11 octobre 2006 3 11 /10 /octobre /2006 1222 Fanchon d'Arzon Fanchon d’Arzon partoche Paroles & musique ROHAN Les mat’ lots de ce bâtimentQue dire que dire à dix brasses de l’île bisSont des matelots méritants, à dix brasses de l’île, fais gaffe au jusantSont des matelots méritants à dix brasses de l’île Pendant des mois sur l’océan… Se sont brisés au cabestan…Les mat’ lots de ce bâtiment… Ont bien mérités du bon temps… Cap sur le golf’ du Morbihan…Nous nous méfierons des courants…Mouillerons à Port Navalo… Boir’ un coup dans un caboulot… Peut-être y verrons nous Fanchon…Fanchon, dam, quel joli nom…C’est la plus jolie fille d’Arzon… Qui fait chavirer la raison… Par une soirée de printemps… Quand nous étions adolescents… M’a -z- allongé de sur un banc… Le soleil était au couchant… Elle fit glisser son corsage… Moi qui était garçon très sage…M’a dévoilée deux beaux seins blancs…Et le reste tout en suivant N’y avait point de plus doux présage…Pour y perdre mon pucelageEt tout ce que m’a fait Fanchon…ça n’est pas dit dans la chanson Parlé Et tout ce que m’a fait Fanchon ?!!? Vous aimeriez le savoir ! ??!Tiens comme c’est bizarre !!! Chanté J’ crois bien qu’ j’ai perdu la mémoireà 10 brasses de l’île, fais gaffe au jusantJ’ crois bien qu’ j’ai perdu la mémoireà 10 brasses de l’île. Toutes les chansons et musiques de ma composition sont protégées. Vous pouvez les téléchargées, les interprétées, les réarangées, les jouées, les recommandées mais en aucun cas, vous en attribuer la paternité. Published by Légend'eaux Rohan - dans Chansons paroles partoches 11 octobre 2006 3 11 /10 /octobre /2006 1204 La chanson du crevettier La chanson du crevettier partoche Paroles et musique ROHAN De bon matin au levé eh ! la crevette djé djé bisJ’la pêcha abondamment la crevette la crevetteJ’la pêcha abondamment la crevette gaiement bis J’y descendis les casiers eh ! la crevette djé djé bisPour y enfermer dedans la crevette la crevettePour y enfermer dedans la crevette gaiement bis Pis je revins relevé eh ! la crevette djé djé biset embarquer promptement la crevette la crevette et embarquer promptement la crevette gaiement bis Après m’y fallut trier eh ! la crevette djé djé biset la rangée joliment la crevette la crevetteet la rangée joliment la crevette gaiement bis Je la vendis au marché eh ! la crevette djé djé bisc’est ma femm’ qu’a eu l’argent la crevette la crevettec’est ma femm’ qu’a eu l’argent la crevette gaiement bis Ell’en a eu tout son souhait eh !...M’y fit ben passer mon temps Elle me dit mon gabier eh !... tes bourses sont ben gonflées Ma tirelir’est vidée eh !.. .qu’y metteras tu dedans ? J’y metterai tout ton souhait eh !...j’t’y gâterai longuement Empli moi de ta gaîté eh !... donne moi contentement Viens mon amant au plus prés eh !...réjouis-moi goulûment Quand j’y approcha le nez eh !...ça m’ rappelait vaguement Toutes les chansons et musiques de ma composition sont protégées. Vous pouvez les téléchargées, les interprétées, les réarangées, les jouées, les recommandées mais en aucun cas, vous en attribuer la paternité Published by Légend'eaux Rohan - dans Chansons paroles partoches

computationnelsdans la chanson Analyse de la musique VI – Les formes de la musique populaire (partie IV) Moreno Andreatta Equipe Représentations Musicales IRCAM / CNRS UMR 9912 / Sorbonne Université IRMA & GREAM, Université de Strasbourg. Focus sur le changement d’axes dans la génération des Tonnetze 3 4 7 5. Focus sur le changement La belle Léopoldine Hugo, le jour de sa communion. Un visage juvénile, un port altier... La fille de Victor Hugo espérait, elle aussi, vivre de ses écrits. Peinture de Auguste de Châtillon en 1836. Victor Hugo est un auteur prolifique, qui a exploré quasiment tous les genres le roman, le théâtre et la poésie. Chef de file du mouvement romantique, il revendique une complète liberté dans l'art et s'insurge face aux règles classiques qui étouffent le processus créatif. Son génie est d'avoir réussi à être le témoin d'une époque et la voix d'une nation à travers des oeuvres littéraires aujourd'hui mondialement reconnues. Du côté de la poésie, Hugo est très attaché au lyrisme. Il use d'une grande sensibilité romantique à la nature, au temps et voit le poète comme un être capable de déchiffrer les choses cachées du monde. Demain, dès l'aube...» est l'un des plus célèbres poèmes de Victor Hugo. Il est publié en 1856 dans le célèbre recueil poétique Les Contemplations » et n'a, originellement, pas de titre. Poème XIV de Pauca meae » Quelques vers pour ma fille, il figure dans le quatrième livre des Contemplations. L'origine de ce poème L'origine de ce poème est malheureusement assez tragique. Victor Hugo s'inspire, ici, d'une histoire vraie et personnelle pour créer ces quelques vers. Le 4 septembre 1843, Charles Vacquerie, le mari de Léopoldine Hugo la fille de Victor Hugo doit se rendre à Caudebec pour un rendez-vous important. Il s'y rend avec son oncle et son cousin Pierre et Arthur Vacquerie en canot de course. Si Léopoldine déclina la première invitation, elle finit par s'y rendre avec eux. Malheureusement, sur la route de retour, les 4 membres de la famille furent surpris par un tourbillon de vent qui fît complètement chavirer le bateau. Léopoldine, son mari, l'oncle et le cousin Vacquerie sont morts dans ce tragique accident. Cette épreuve fut terrible pour Victor Hugo qui était profondément attaché à sa jeune fille. Cette douleur, il la sublime dans le présent poème. Dates Actions 28 août 1824Naissance de Léopoldine Hugo. Elle est la fille aînée de Victor Hugo et d'Adèle Foucher. 15 février 1843 Très courtisée pour sa beauté et son intelligence, Léopoldine finit par épouser Charles Vacquerie. Mais ce mariage n'aura pas eu le temps de perdurer... 4 septembre 1843Les deux amants, accompagnés de deux membres de la famille de Charles, finissent noyés après un accident en canot. L'épreuve du deuil est terrible à supporter pour Victor Hugo et Adèle Foucher... 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Je ne regarderai ni l'or du soir qui tombe, Ni les voiles au loin descendant vers Harfleur, Et quand j'arriverai, je mettrai sur ta tombe Un bouquet de houx vert et de bruyère en fleur. La forme Demain, dès l'aube » est un poème composé de trois strophes de quatre vers chacune. Ces vers sont composés de 12 pieds, ce sont donc des alexandrins ternaires trimètres romantiques et binaires en rimes croisées ABAB. Cet effet stylistique crée un rythme à la lecture le lecteur doit respecter la ponctuation, avec des césures qui divisent le vers en deux hémistiches. La tonalité À la lecture de ce poème, vous ressentirez très certainement une profonde tristesse. Le champ lexical de la solitude et de la douleur est omniprésent, on y voit Hugo seul face au monde et à sa peine. L'atmosphère générale est aussi celle de l'obscurité forêt », campagne », nuit », soir »... L'ambiance est morose, même l'espace semble être empli de chagrin. Les procédés stylistiques vus en cours de francais mettent en lumière cette tristesse incontrôlable. Les rimes croisées jouent sur le sens des mots le verbe "tomber" du vers 9 renvoie à la "tombe" du vers 11... La chute renvoie à la mort. L'analyse du poème Passons désormais à l'analyse du poème. On distingue trois strophes différentes, chacune agissant comme un nouveau tournant dans le récit. En quoi ce poème sublime-t-il les retrouvailles entre Hugo et sa fille Léopoldine ? I. Un long voyage vers où ? L'indication temporelle Le premier vers fait référence au départ imminent du narrateur. Ce départ, il l'annonce en trois temps différents Demain » 2 syllabes dès l'aube » 2 syllabes à l'heure où blanchit la campagne » 8 syllabes Par là, le narrateur introduit son intention de partir et l'annonce avec l'heure et le moment exact où il le fera. Ce voyage ne se terminera qu'au vers 9, lorsque la journée se termine l'or du soir qui tombe ». Ainsi, ce voyage dure une journée entière et se déroule sans aucune interruption. L'indication spatiale La nature prend une place importante au sein du poème. Hugo attache une certaine importance à révéler le paysage, sans pour autant s'attarder sur les détails de celui-ci. Cela donne lieu à une énumération assez sommaire des lieux qu'il dépasse la campagne », la forêt », la montagne ». Dans les deux premières strophes, le paysage semble donc assez sauvage, bien que les éléments que nous ayons à disposition restent vagues. À partir de la strophe 3, un changement de paysage s'opère Ni les voiles au loin descendant vers Harfleur ». En citant une commune normande, Hugo ancre le poème dans le réel. Fini la campagne et la forêt, nous sommes désormais face à l'eau. Ce chemin aux mille paysages agit également comme un symbole celui de l'homme prêt à affronter vents et marées pour retrouver celle qu'il aime... Et qu'il a tragiquement perdue. La petite commune normande de Harfleur, lieu cité par Hugo dans son célèbre poème Demain, dès l'aube... ». La détermination du voyageur Le voyageur indique son intention de se mettre en mouvement grâce à plusieurs verbes d'action conjugués au futur simple Je partirai » J'irai » Je marcherai » J'arriverai » L'itinéraire est clairement énoncé et chaque verbe marque l'évolution de celui-ci, du départ jusqu'à l'arrivée. À chaque strophe se trouve ces verbes qui marquent une nouvelle étape on retrouve je partirai » et j'irai » dans la première strophe, qui indiquent l'intention du mouvement ; je marcherai » qui souligne la mise en mouvement ; et enfin j'arriverai » qui traduit la fin de l'action et le but réalisé. Cette répétition de verbe a pour effet de souligner la détermination sans faille du voyageur, qui a déjà intellectualisé les différentes étapes et qui sait pertinemment où il va. II. L'expression des sentiments alliance des registres lyriques et pathétiques Demain, dès l'aube... » est un poème rédigé à la première personne, première personne qui s'oppose continuellement au pronom personnel tu ». Dans le cas présent, Victor Hugo investit le Je » et Léopoldine est le Tu ». Pour le poète, il est question de s'adresser directement à sa fille défunte le poème devient un prétexte pour lui parler, pour se livrer à elle. Ce dessein est à proprement parler lyrique, l'auteur cherche à exprimer ses sentiments à travers le texte. Mais quels sont les sentiments que nous retrouvons le plus tout au long du poème ? La solitude Ce voyage est celui d'un pèlerin, seul face au chemin qu'il décide d'emprunter. Cette solitude se traduit à plusieurs moments dans le texte et est un thème romantique celui du moi profond confronté à ses sentiments et, notamment, à sa mélancolie. Léopoldine et son mari, Charles Vacquerie, dessinés par la mère de Léopoldine, Adèle Foucher, en 1843. Les deux amants resteront, à jamais, inséparables... Ici, le champ lexical de l'absence est omniprésent loin de toi » sans rien » aucun » seul » Cela traduit la solitude totale du poète et le vide qu'il ressent au fond de lui suite à la disparition de sa fille. Même l'univers semble avoir disparu Hugo est livré à lui-même dans ce drame. Mais cette solitude a un effet bien plus tragique puisqu'elle mène à la dépersonnalisation du narrateur inconnu » De plus, le poète est complètement indifférent au monde extérieur, il est seul dans sa bulle Je marcherai les yeux fixés sur mes pensées Sans rien voir au dehors, sans entendre aucun bruit ... Triste, et le jour sera pour moi comme la nuit Il ne fait plus la différence entre les paysages, ne se soucie plus du temps ni de l'espace. Sa solitude est totale. La tristesse Cette solitude s'accompagne d'une tristesse voire d'une réelle souffrance du narrateur. Face à cela, le lecteur ne peut qu'éprouver de la compassion pour Hugo c'est toute la force du registre pathétique. La douleur est ici physique et morale, elle est omniprésente, omnipotente, elle englobe littéralement le poète Seul, inconnu, le dos courbé, les mains croisées / Triste Le rejet du mot Triste » au vers suivant a pour effet d'accentuer la douleur ressentie. Par ailleurs, cette tristesse se lit également dans le procédé stylistique employé celui de l'accumulation. La juxtaposition des mots, séparés par une virgule, renforce le poids de la douleur. III. La mort n'est pas une fin mais un renouveau Entre présence et absence le dialogue avec la mort prend vie La mort de sa fille Léopoldine, âgée seulement de 19 ans, a bouleversé la vie d'Hugo. Cet évènement a eu pour conséquence de faire réfléchir l'auteur au sujet de la mort, au sujet de l'après. Comment continuer un dialogue avec un être défunt ? Comment parvenir à trouver une présence dans l'absence ? Dans ce poème, Victor Hugo joue avec les pronoms je » et tu » afin de rendre son interlocutrice vivante et présente, d'où la confusion parfois sur l'intention de ce poème. À la première lecture, on pourrait penser que le narrateur parle d'une femme aimée et se prépare pour une rencontre amoureuse. En réalité, ce poème est entièrement destiné à sa fille, qu'il cherche à retrouver. Pour rendre à Léopoldine toute sa présence, Hugo utilise le présent d'actualité Léopoldine est bien réelle, il pourrait presque la toucher. Serait-ce de sa part un déni ? L'une des étapes du deuil ? Possible... De plus, la jeune fille brille par sa présence en ce que tout ce qui a autour du narrateur est inconsistant. Les paysages et le temps n'ont strictement aucune importance, aucune valeur seul compte ce tu » à qui un je » omniprésent s'adresse sans relâche. Quand bien même le narrateur ne s'adresse pas directement à la jeune fille, il ne pense qu'à elle. La négation, très présente dans ce texte, marque cet aspect il n'y a qu'elle, en réalité et dans ses pensées. Ainsi, se révèle à nous une contradiction déroutante les paysages sensibles sont niés alors que bien présents et l'insensible est révélé alors que foncièrement absent. C'est toute la force des mots pouvoir faire revivre les morts. Immortelle Léopoldine ? Le dernier vers constitue une analyse à lui seul. Victor Hugo utilise deux images très symbolique le houx et la bruyère. Le houx vert ne perd jamais sa couleur, il reste intacte toute l'année. Il est reconnu pour porter bonheur. La bruyère est, quant à elle, toujours en fleur. Elle vit perpétuellement et ne meurt jamais. Grâce à ces deux images, Victor Hugo souhaite célébrer la vie éternelle de sa fille. Léopoldine demeura immortelle, dans son esprit et dans ses écrits. Grâce à ce récit, lyrique et romantique, sa fille ne pourra jamais être oubliée. L'éternité de l'homme passe indéniablement par la postérité des écrits. Conclusion Epitaphe de la tombe où reposent Léopoldine et son mari, Charles. Ici, Victor Hugo viendra déposer le houx vert et la bruyère toujours en fleur... Ce poème est une vraie déclaration d'amour à Léopoldine Hugo, tragiquement disparue. Pour Victor Hugo, cela va bien au-delà d'une simple expression de ses sentiments il livre, ici, une incantation. Il souhaiterait pouvoir la voir à nouveau, la tenir dans ses bras. Pour cela, il est prêt à tout, à commencer par entamer ce voyage pour la retrouver. Paysages, sentiments, solitude, nature les thématiques romantiques sont toutes réunies. Toutefois, l'auteur offre ce poème d'une façon pudique il n'y a pas d'épanchement, juste de la sincérité, de l'amour et l'expression intime de la douleur de son deuil. Pour Hugo, il n'est pas question de tout montrer mais de suggérer la peine, la souffrance, le manque. À l'image de sa fille, Hugo a choisi de rester dans une réserve touchante mais puissante. Ce plein d'émotions que l'on lit entre les lignes, nous donne l'envie de continuer à lire les écrits de ce génie et de découvrir, un peu plus, l'homme qu'il était. Plongez-vous sans attendre dans ce poème, ode aux retrouvailles espérées.

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allez on part on met les voiles chanson